EL REY PERDIDO/ EL REY EXTRAVIADO

The Lost King, Gran Bretaña-Escocia, 2022)

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Dirección. Stephen Frears/ Guión. Steve Coogan y Jeff Poppe, inspirados en el libro de Philippa Langley/ Fotografía en color. Zac Nicholson/ Música. Alexandre Desplat/ Edición. Pia Di Ciaula/ Diseño de producción. Andy Harris/ Dirección de arte. Jean Kerr/ Vestuario. Rhona Russell/ Producción. BBC Films, Baby Cow Productions, Pathé, Ingenious Media, Steve Coogan, Wendy Griffin, Christine Langan, Dan Winch/ Con. Sally Hawkins (Philippa Langley), Steve Coogan (John, su ex marido), Harry Lloyd (Ricardo III/Pete), Mark Addy (Richard Buckley, el arqueólogo), Benjamin Scanlan (Raiffe Langley), Adam Robb (Max Langley), Lee Ingleby (Richard Taylor, de la universidad de Leicester), Annie Griffin (Jessica), James Rotger (Ritchmond)/ Dur. 108 mins.

 

 

SINOPSIS

La obsesión británica por la realeza queda de manifiesto en esta encantadora fábula moderna cuya historia se ambienta en el año 2012. Luego de permanecer extraviado por más de 500 años, los restos del rey Ricardo III de Inglaterra, a quien William Shakespeare le dedicó una de sus mayores obras, fueron descubiertos bajo un estacionamiento público de Leicester. Pese a la incomprensión de su familia y al escepticismo de los expertos, académicos e instituciones, los esfuerzos de una solitaria y discreta historiadora amateur Philippa Langley rindieron frutos al luchar contra todos, incluso contra sí misma.

La protagonista Sally Hawkins, nominada al Oscar por La forma del agua (Guillermo Del Toro, 2017) fue nominada a los British Independent Film Awards (BIFA) a Mejor Actriz.

 

A los 80 años, Stephen Frears se define como superviviente de una especie en extinción. “Soy un dinosaurio. Las películas comerciales inteligentes que me gustan y hago le están perdiendo la partida a las superproducciones; la financiación cinematográfica está cambiando y dificulta la consecución de fondos hasta para los proyectos menos costosos. El tipo de cine que practico se ha vuelto irrelevante, pero no sé hacer otra cosa” –Elespañol.com/elcultural-

 

 

Ricardo III de Inglaterra (Castillo de Fotheringay, 2 de octubre de 1452 –Campos de Bosworth, 22 de agosto de 1485) fue rey de Gran Bretaña y Señor de Irlanda desde 1483 hasta su muerte en la batalla de Bosworth en 1485. Fue el último monarca de la casa de York y la dinastía Plantagenet. Su derrota en Bosworth, marcó el final del medioevo en Inglaterra y su vida fue llevada al teatro en una notable obra de William Shakespeare, titulada: La vida y la muerte de Ricardo III. Fue nombrado duque de Gloucester en 1461 luego de la adhesión de su hermano, el rey Eduardo IV. En 1472 contrajo nupcias con Anne Neville y participó en la invasión de Escocia en 1482. Al morir su hermano, el rey Eduardo IV en 1483, Ricardo fue nombrado protector del reino del hijo mayor y sucesor de aquel: Eduardo V, de doce años. El 22 de junio de 1483 se arregló la coronación de Eduardo, pero antes de la ceremonia el matrimonio de sus padres fue invalidado por bigamia, resultando así que sus hijos eran oficialmente ilegítimos y por tanto no podían heredar el trono. El 25 de junio una asamblea de señores y plebeyos aprobó una declaración y proclamó a Ricardo rey legítimo; su coronación se celebró el 6 de julio de 1483. El joven príncipe Eduardo y su hermano menor, Ricardo, duque de York, dejaron de ser vistos en público a partir de agosto, por lo que circularon acusaciones de que habían sido asesinados por orden del rey Ricardo.

        En agosto de 1485 Enrique Tudor y su tío Jasper Tudor se rebelaron contra Ricardo III y lo derrotaron en Bosworth. El rey Ricardo murió en el enfrentamiento y Enrique Tudor ascendió al trono con el nombre de Enrique VII. Tras la batalla, el cadáver de Ricardo fue llevado a Leicester y enterrado sin honores. Sus restos se perdieron durante cinco siglos, durante los cuales se pensó que habían sido arrojados al río Soar. En 2012, la Sociedad Ricardiana liderada por la historiadora amateur Philippa Langley, encargó una excavación arqueológica en un estacionamiento de la ciudad en el sitio antes ocupado por la Iglesia del Priorato de Greyfriars. La Universidad de Leicester se adjudicó el hallazgo al identificar el esqueleto encontrado en las excavaciones como el de Ricardo III a partir de una datación por radiocarbono comparando informes coetáneos sobre su aspecto y su genoma mitocondrial con dos descendientes de la hermana mayor de Ricardo III. Los restos de Ricardo fueron de nuevo inhumados en la catedral de Leicester el 26 de marzo de 2015. –con información de Wikipedia-

 

El cineasta británico Stephen Frears, responsable de filmes tan opuestos y atractivos como: Las relaciones peligrosas, The Griffters, Negocios entrañables, La reina y Filomena; realizador que sabe involucrar al espectador con el drama, las angustias y los momentos felices de sus personajes, ha intentado siempre, mostrar la dignidad de aquellos que se encuentran en situaciones adversas: ya sea la pareja homosexual e interracial de Mi bella lavandería, la relación entre la inglesa marginal y un hindú en Sammy & Rosie Get Laid, la hija embarazada en Esperando al bebé, el desempleado empeñado en poner su puesto ambulante de comida en La camioneta, el periodista humillado por sus propios colegas y la opinión pública en El engaño del siglo/ El ídolo, o la atribulada historiadora amateur Philippa Langley, obsesionada con encontrar el cadáver del rey Ricardo III pese a las críticas y la falta de interés de académicos, historiadores e instituciones en El rey perdido.

       En efecto, el personaje de Langley, es humillado por todos, incluso al inicio, por sus propios hijos y su ex marido aunque pronto terminan de su lado. No obstante, la Universidad de Leicester y la concejalía así como historiadores de renombre la menosprecian en todo momento. La película apuesta por un concepto entre candoroso y onírico lo que le aporta al filme un toque encantador: nos referimos a la presencia constante del fantasma del propio rey Ricardo III a partir del actor que lo representa en una puesta en escena del drama de Shakespeare, al que asiste Philippa y que termina obsesionándola con la búsqueda de sus restos. Justo esa aportación a la trama, es lo que hace que ésta fluya y resulte más entretenida, apoyada a su vez en la siempre agradable presencia de la actriz Sally Hawkins, cuyo personaje consigue revertir la idea preconcebida del rey Ricardo III como un tirano siniestro, jorobado y asesino de sus propios sobrinos, como aparece en la obra magistral de Shakespeare…

 

       …”Shakespeare era un gran poeta y psicólogo, por eso sigue vigente después de siglos. Han pasado 400 años y seguimos hablando de la corte. Quizás todo resida en que nos obcecamos en intentar entenderlos. Hoy en día ya no puedes rodar una película en Inglaterra si no hay una reina, pero cuando filmamos La reina (2006) nadie estaba muy interesado. A Peter Morgan, de hecho, se le pidió que escribiera sobre la muerte de Diana, pero después de una semana, lo rebatió y dijo que el personaje interesante era el de Isabel II, explorar el contraste entre la posición doméstica y la pública… -Stephen Frears-…

   

         …La obra de Shakespeare comienza con un monólogo de Ricardo alabando a su hermano el rey Eduardo IV, revelando la envidia y la ambición de éste: un hombre contrahecho, deformado y mutilado, que conspira para que su hermano Jorge de Clarence, que le precede como heredero al trono, sea recluido en la Torre de Londres. Asimismo, para cumplir sus ambiciones, pretende a Lady Ana, la viuda de Eduardo de Lancaster, luego de asesinar a su marido y a su padre. Es elegido sucesor del rey Eduardo IV, en cuya muerte, Ricardo no está involucrado. Ricardo elimina a cualquiera que se interponga en su camino, incluido el joven príncipe, Lord Hastings y su esposa; crímenes que no pasan inadvertidos y Ricardo se enfrenta con el conde de Richmond, futuro Enrique VII de Inglaterra en la batalla de Bosworth, donde los fantasmas de las personas que asesinó, le visitan. Ricardo se encuentra solo en medio del campo de batalla, y llora implorando: “mi reino por un caballo”, sin embargo, es derrotado en un combate cuerpo a cuerpo contra Richmond, quien lo mata con su espada… Por cierto, entre las decenas de versiones cinematográficas realizadas, resaltan las de: Laurence Olivier en 1955 y la de Ian McKellen en 1995…

 

         …“Contrariamente a la declaración engañosa de los medios emitida por la Universidad, me sentí marginada (y sigo sintiéndome marginada) porque la Universidad se atribuyó erróneamente mi mérito por liderar la búsqueda de los restos del Rey. La única rueda de prensa que importó fue la del 4 de febrero de 2013 para confirmar que los restos eran los de Ricardo III. Esa conferencia fue a la que asistieron los medios de comunicación del mundo. No fui invitada por la Universidad a sentarme en el panel que enfrentó a los periodistas y la Universidad se presentó erróneamente como líder de la búsqueda que yo había encargado y pagado…En cuanto al paradero general del extenso recinto de Greyfriars, donde algunos (no todos) creían que podría estar enterrado Ricardo III, sí, se sabía, pero nadie sabía la disposición de los edificios y, por lo tanto, dónde se encontraba la propia iglesia de Greyfriars (y por lo tanto el cuerpo), podría ser (si no estuviera en el río Soar como creían la mayoría de los principales historiadores). Solo a través de mi intuición e investigación se identificó el área precisa donde debería llevarse a cabo la excavación. En cuestión de horas de comenzar a excavar, los restos del Rey fueron revelados. Si la Universidad (y todos los demás) sabían exactamente dónde excavar, ¿por qué no lo habían hecho antes?” –Philippa Langley-

 

RAFAEL AVIÑA

Centro Histórico de la Ciudad de México

28 noviembre 2022

EL ÚLTIMO CAMINO/ LA CARRETERA

(The Road, Estados Unidos-Gran Bretaña, 2009)

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Dirección. John Hillcoat/ Guión. Joe Penhall, inspirado en la novela de The Road de Cormac McCarthy/ Fotografía en color. Javier Aguirresarobe/ Música. Nick Cave, Warren Ellis/ Edición. Jon Gregory/ Diseño de producción. Chris Kennedy/ Dirección de arte. Gershon Ginsburg/ Vestuario. Margot Wilson/ Producción. Erik Hodge, Paula Mae Schwartz, Steve Schwartz, Mike Upton, Nick Weschler, Dimension Films, 2929 Productions/ Con. Viggo Mortensen (el hombre), Kodi-Smit McPhee (el chico), Charlize Theron (la mujer), Robert Duvall (el viejo), Guy Pearce (el veterano), Molly Parker (la mujer maternal), Michael Kenneth Williams (ladrón), Garrett Dillahunt (miembro de la pandilla), Bob Jennings (hombre barbado), Buddy Sosthand (Archer) / Dur. 111 mins.

 

SINOPSIS

Hace más de diez años que el mundo fue destruido por algo que todos ignoran. Podría haber sido un suceso nuclear, o el choque de la Tierra con otra entidad cósmica. O puede que el sol haya tenido una implosión y afectado el planeta como daño colateral de su propia extinción. Cierto día hubo una gran llamarada luminosa, y luego, la nada. La consecuencia de ese cataclismo, fuera lo que fuera, ha significado la desaparición de la energía, de la autoridad y el orden, de la vegetación, de los alimentos. Millones de personas han fenecido, destruidas por el fuego y las inundaciones, o abrasadas en sus propios vehículos, donde se hallaban sentadas cuando aconteció el desastre, o extinguidas por inanición y desespero en una lenta muerte de la civilización tras el colapso de todo orden concebido.

       Un hombre y su hijo “el uno para el otro, todo cuanto tienen en el mundo” como el propio McCarthy les describe en su novela, se desplazan con todas sus preciadas posesiones: todo alimento y ropa que puedan conseguir, utensilios y herramientas, bolsas de plástico, lonas, mantas y cualquier otra cosa que les mantenga calientes en un exterior gélido, carente de sol y lleno de cenizas por todas partes. Llevan todo eso a sus espaldas y en un carro de supermercado abandonado, equipado con un espejo de bicicleta para poder ver quién se acerca tras ellos. Su desesperado e improvisado equipo de viaje y sus cuerpos sucios y desaliñados les otorgan el aspecto de vagabundos. Y eso es lo que son en esta frontera inerte.

       Avanzan penosamente a pie en dirección al oeste, hacia el océano, recorriendo lo que una vez fue el magnífico sistema de autopistas, se ocultan en bosques y en viejas estructuras abandonadas, en cualquier cobijo que puedan improvisar que les mantenga a salvo de los elementos y de las bandas errantes que buscan despojarles de todo. Se cruzan con toda suerte de personas desesperadas: una pandilla de carretera, un grupo de hombres violentos que de algún modo han logrado hacer funcionar su gran camión. Carroñeros y cazadores de todo cuanto se mueve, algunos caníbales bien alimentados que mantienen, en una gran casa encima de una colina, una bodega llena de carne que apenas se identificaría como humana. Y también todo tipo de ladrones. Un anciano a quien se encuentran frente a ellos con calzado hecho de trapos y cartones. Aquel hombre le cae bien al chico, que persuade a su padre para que compartan con él algo de la comida y el campamento. El anciano, quien dice llamarse Ely, se muestra igualmente sorprendido con el chico, asombrado de su existencia como padre e hijo lo están de la de él. Les dice que está en la carretera para siempre, y que cuando vió al chico, pensó que había muerto y ascendido al cielo, pues le parecía estar viendo a un ángel.

        Incluso en este mundo sombrío, existen momentos de felicidad. En ocasiones, padre e hijo se encuentran con algo de comida largo tiempo olvidada en un armario, o atesorada en un refugio antinuclear. Mientras el padre hurga en un centro comercial desolado, se topa con una lata de Coca Cola abandonada que ha quedado adherida en las entrañas de una máquina expendedora puesta patas arriba. Cuando el padre le pasa esa delicia al hijo, quien jamás ha podido permitirse algo así, siente alegría ante el asombro del mismo por el sabor dulce y picante de la bebida. Y cuando se encuentran un salto de agua relativamente limpia, ambos se zambullen desnudos sin titubear.

        Asimismo, los abundantes flashbacks sobre la vida del padre con su esposa antes del gran desastre, antes de que ella se quitara la vida para no presenciar cómo se la quitaba aquello o aquello que ella sabía estaba por llegar. El hombre se aferra a esos recuerdos que le alimentan el espíritu en su lucha por lograr algo de seguridad para su hijo. El dulce recuerdo de su vida antes del desastre, y de sus días felices en la infancia son algunos de los puntos luminosos que avivan el terreno para él y para su vástago.

 

El último camino, relato épico pos apocalíptico sobre la supervivencia de un padre y su hijo, mientras viajan a lo largo de un Estados Unidos yermo destruido por un cataclismo misterioso, imagina un futuro en el que los hombres se ven empujados a lo peor y lo mejor de que son capaces, un futuro en el que un padre y su hijo se sostienen gracias al amor que se profesan, fue nominada al BAFTA a Mejor Fotografía. Asimismo, el premio a Mejor Dirección y Fotografía en el festival Cine Euphoria y de la asociación de críticos de Denver y Utah.

 

“También creí ver que habían algunos buenos elementos de género: el suspense y la tensión que se derivan de la necesidad de sobrevivir en un mundo extremadamente hostil, elementos verdaderamente evidentes en una película. No me preocupaba en absoluto el aspecto referido a la crueldad. Creía que un mundo apocalíptico es inclemente y que el canibalismo en un mundo apocalíptico es atroz, sin embargo, el alma emocional de la obra resultaba vigorizante y poderosa hasta tal punto que es eso lo que brillaría de principio a fin en la realización de la película». –John Hillcoat, lahiguera.net-

 

 

En un futuro cercano el planeta fenece. Animales y plantas se extinguen y el frío es insoportable. Los escasos sobrevivientes se juegan la vida por combustible, refugio y comida. La antropofagia se ha vuelto una opción. En ese panorama desolador, un hombre intenta proteger a su hijo de la inopia moral y social que prevalece en ese caótico y violento mundo. Esta situación entresacada de El último camino, inspirada en la brutal novela The Road (2006) –ganadora del Pulitzer- remite alegóricamente a las propias decisiones de vida de su autor: el brillante Cormac McCarthy, quien decidió separarse voluntariamente de su familia y del universo de los negocios y la burocracia para poder dedicarse a escribir. En breve, apartado del mundo, todas las limitaciones y la pobreza se recompensaron con su libertad.

       Nacido en Providence, Rhode Island en 1933, aunque su infancia la vivió en Knoxville Tennessee, Cormac McCarthy, comparado con escritores como Faulkner, Hemingway, Melville, London, Conrad o Salinger, se trastocó en uno de los autores favoritos de Hollywood en muy poco tiempo desde que Joel y Ethan Coen adaptaran su novela No Country For Old Men (2005), bajo el título en español de: Sin lugar para los débiles (2007) con la que Javier Bardem se llevó el Oscar a Mejor Actor de Reparto, interpretando a un metódico asesino psicópata que sigue las huellas de un vaquero (Josh Brolin), quien se ha hecho de un maletín con dos millones de dólares, saldo de un fallido y sangriento enfrentamiento entre narcos, mientras busca refugio en una pequeña población mexicana.

        Con el tópico del viejo oeste, uno de los grandes mitos estadunidenses, pero retratado con ironía y nostalgia, enfrentando el asunto de la tradición y la modernidad, McCarthy ha construido prácticamente toda su obra con ese gran tema que incluso puede convertirse en metáfora pos apocalíptica como sucede en El último camino. Su primera experiencia con la pantalla, se inicia hacia 1977 cuando escribe el guión para el telefilme El hijo del jardinero dirigido por Richard Pearce, para la serie Visions, drama sobre la educación y la paternidad con Penelope Allen y Kevin Conway. Pese a contar con varias obras desde la década de los sesenta: su primera novela, El guardián del vergel es de 1965, Cormac McCarthy no es adaptado al cine sino hasta el año 2000 con Espíritu salvaje dirigida por el actor Billy Bob Thorton, con Matt Damon, Henry Thomas y Penélope Cruz, inspirada en All the Pretty Horses de 1992.

          A finales de los años cuarenta, el joven John Grady Colle (Damon) y su mejor amigo Lacey Rawlings (Thomas) deciden abandonar Texas y cruzar la frontera hacia México para trabajar en un rancho donde los caballos corren libres. John inicia una apasionada relación amorosa con la hermosa Alejandra hija del terrateniente que encarna el panameño Rubén Blades. Hollywood transformó en una historia de amor y nostalgia el viaje iniciático a caballo de dos primos en los estertores de la segunda guerra mundial, novela que iniciaba la llamada trilogía fronteriza, seguida por: The Crossing/ En la frontera (1994) y Cities of the Plain/ Ciudades de la llanura (1998).

        Esas últimas exhalaciones de las viejas tradiciones del oeste se aprecian en Sin lugar para los débiles que sintetiza con inteligencia el fracaso y la desilusión del gran protagonista: Tommy Lee Jones: un agotado alguacil, preocupado por las transformaciones del mundo, añorando un tiempo pasado e irrecuperable. El propio Tommy Lee Jones dirigiría el telefilme The Sunset Limited (2011), con él mismo y Samuel Jackson, sobre la relación que se establece entre dos hombres, cuando uno de ellos, evita que el otro se suicide arrojándose a las vías del Metro. Un relato filosófico, emocional y austero escrito por McCarthy directamente para la pantalla.

       En tanto que su novela Outer Dark/ La oscuridad exterior de 1968 fue llevada al cine en 2009 en un corto de 15 minutos dirigido por Stephen Imwalle, en el que se narraba una extraña historia de incesto ambientada a principios del siglo pasado, con ciertas conexiones con El último camino del mismo año que describe el estado bestial y salvaje de la humanidad. Por su parte, James Franco dirige y protagoniza la historia de McCarthy escrita en 1973: Child of God Hijo de Dios (2013), relato que narra la historia de un hombre agresivo y solitario que se va a vivir a una cueva en las montañas de Tennessee. Y: The Counselor/ El abogado del crimen (2013) de Ridley Scott con guión original de Cormac McCarthy, hombre reservado y profundo, cuya obra la ha escrito en una máquina mecánica portátil Olivetti, con un reparto que incluye a Michael Fassbender, Brad Pitt, Javier Bardem, Penélope Cruz y Cameron Díaz, centrada en un abogado involucrado en el tráfico de drogas…

 

            …Drama filial, historia de horror, mezcla de suspenso, ciencia ficción, neowestern y alegoría ecologista, El último camino, bebe de fuentes tan extremas como: Mad Max, El chico de Charles Chaplin, Voraz, el cine de zombies (de Seres de las sombras y Soy Leyenda a las metáforas de George A. Romero) y filmes milenaristas rusos como: El visitante del museo o Cartas de un hombre muerto. Todo ello, para contar una trama de desencanto, frustración y conciencia de la vulnerabilidad en una sociedad destinada al olvido. 

         En ese panorama desolador y gris, donde los árboles fallecen literalmente (gran trabajo fotográfico del español Javier Aguirresarobe), dos seres intentan sobrevivir conservando algo de humanidad (“la flama en el corazón”). Un hombre (Mortensen notable) que rememora fragmentos de vida con su bella esposa (Theron) y un chico (Smit-McPhee), su hijo, a quien protege de la pauperización moral y social que prevalece en ese caótico y violento mundo, en una trama de gran dimensión épica y universal que evita la obviedad y el melodrama y que mantiene un tono de horror y suspenso y al mismo tiempo una parábola filosófica de altos vuelos.

        Escenas bellísimas como la del baño en la tina, o aquella de la lata de soda, muestran además de la notable y sosegada química entre los protagonistas, la gran sensibilidad de un relato que traza una emocionante mirada filial. La de un padre que representa el último trozo de memoria de una conciencia moral en estado paranoico y la de un hijo que encarna el nuevo espíritu de una sociedad alienada como resquicio de esperanza ante lo inevitable. Junto con Districto 9 y Tierra de zombies, El último camino, ejemplificaba en aquel 2009, el estupendo momento por el que atravesaba el cine de horror fantástico estadunidense.

 

RAFAEL AVIÑA

Centro Histórico de la ciudad de México

13 de noviembre 2022

KOMPROMAT: EL EXPEDIENTE RUSO

(Kompromat, Francia-Lituania, 2022)

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Dirección. Jérome Salle/ Guión. Jérome Salle y Caryl Ferey, inspirado en el relato autobiográfico de Yoann Barbereau, En la prisión de Siberia/ Fotografía en color. Matias Boucard, Sacha Wiernik/ Música. Guillaume Roussel/ Edición. Stan Collet/ Diseño de producción. Laurent Ott/ Dirección de arte. Paulius Dascioras/ Vestuario. Carine Sarfati/ Producción. Albane de Jourdan, Jérome Salle, Marc Simoncini, Súper 8 Production, SND Groupe M6, France 2 Cinema/ Con. Gilles Lellouche (Mathieu Rousel), Joanna Kulig (Svetlana), Mijail Gorevoi (Rostov), Aleksei Gorbunov (el abogado Borodin), Louis-Do de Lencquesaing (el embajador francés), Daniil Vorobyov (Sasha Rostov), Elisa Lasowski (Alice Rousel), Judith Henry (Michele), Igor Jijikine (Sagarine), Pierre Hancise (Julien)/ Dur. 126 mins.

 

SINOPSIS

Inspirada en hechos reales, se narra aquí la historia de Mathieu Rousel, director de la Alianza Francesa de Irkutsk en Siberia, a orillas del lago Baikal, en 2017, casado con Alice Rousel y con una hija pequeña, Michelle, cuya aparente vida tranquila se trastoca en el horror absoluto. Luego de presentar un acto de ballet de tendencia gay en un evento cultural de la Alianza Francesa, y de conocer a Svetlana, joven liberal casada con un ex militar discapacitado, hijo de un alto funcionario del servicio secreto ruso, Mathieu es violentado y encarcelado. Se convierte en víctima de un Kompromat: una táctica militar que lo inculpa injustamente de abuso sexual contra su propia hija, acusado incluso por su propia mujer, cuya relación está rota. Gracias a la ayuda de un abogado ruso que contrata la embajada de Francia, Mathieu es liberado en apariencia y vigilado con un dispositivo electrónico, sin embargo, se entera de que será encarcelado de nuevo a 15 años de trabajos forzados, por lo que consigue trasladarse a la embajada con la ayuda de Svetlana, donde descubre que su mujer fue obligada a declarar en su contra. No obstante, el embajador que trata de evitar roces con el gobierno ruso no le da el suficiente apoyo por lo que Mathieu decide huir de los servicios secretos rusos (FSB) y buscar a toda costa una manera de probar su inocencia, al tiempo que es perseguido por el violentísimo agente Sagarine.

 

 

Kompromat forma parte del nuevo Tour de cine francés en su emisión 2022. Un emocionante thriller sobre la lucha de un hombre común y corriente perseguido por el Estado ruso inspirado en la historia verdadera de Yoann Barbereau, prometedor funcionario al frente de la Alianza Francesa de Irkutsk, en Siberia, a quien encarcelaron, acusado de un delito que no había cometido. El FSB, heredero de la KGB, creó un conjunto de pruebas falsas para incriminarlo después de que enfadara a altos funcionarios del gobierno ruso. Tras meses de abusos y engaños por parte de las autoridades, decidió poner fin a la injusticia por su cuenta: escaparía de Rusia, fuera como fuera. Se creó un conjunto de pruebas más o menos falsificadas que se utilizan para destruir a una personalidad non grata para el régimen; algo muy común en la Rusia de hoy en día.

          Su libro, “En la prisión de Siberia es el relato de la épica huida que lo llevó a viajar a pie hasta la frontera con Estonia, enfrentarse a un lobo salvaje, cruzar un pantano a nado y viajar con desconocidos. Con una pluma narrativa llena de fuerza y un testimonio auténtico digno de una novela de espionaje, Yoann Barbereau convierte al lector en testigo de su ardua lucha por conseguir la libertad. Esta es una autobiografía que dejará sin aliento a los lectores por la dureza de los hechos reales que narra y el retrato incisivo de una justicia abusiva y un sistema carcelario corrupto.

         Yoann Barbereau (1978) trabajó en Rusia más de diez años, durante los cuales dirigió la sede de la Alianza Francesa de Irkutsk. Para escapar de sus captores, utilizó todos los métodos modernos disponibles, inutilizó el dispositivo electrónico de seguimiento que le habían puesto y recorrió cientos de kilómetros a través de Siberia gracias a varios conductores y a pie. Jerôme Salle, director de Zulu (2013), llevará su historia a la gran pantalla…” –delectoalector.com-

 

 

La película dirigida por el realizador parisino Jérôme Salle, director y también guionista, responsable de La odisea (2016), Zulu (2013), El turista (2010), Anthony Zimmer (2005), entre otras, se filmó en Lituania, en medio de la crisis sanitaria del coronavirus. Poco después de la llegada del equipo al lugar, el país entró en confinamiento lo que complicó el rodaje, volviendo una experiencia difícil para el actor protagónico Gilles Lellouche, a quien vimos de manera reciente, en la espléndida Adiós Sr. Haffmann  (Fred Cavayé, 2021), donde interpreta en el París amenazado por la guerra hacia 1941, a François Mercier, un hombre corriente con un defecto en la pierna que sólo desea formar una familia mientras se desempeña como el modesto empleado de un talentoso joyero franco-judío: el señor Joseph Haffmann (Daniel Auteuil), quien tendrá que ocultarse en el sótano de su propia casa-taller debido a la ocupación nazi…

 

…”No puedo hablar de Lituania porque no la he visto. Llegamos ahí cuando el país aún no estaba afectado por el Covid. Hice cuarentena y cuando salimos el país estaba confinado. Fue una experiencia extraña y divertida a la vez. Fue muy austero. Estaba solo en mi habitación de hotel, almorzaba y cenaba yo solo. Éramos pocos franceses y un equipo lituano y el ambiente era muy especial. Pero todo eso alimentó Kompromat. Mi carácter realmente estaba en las entrañas de éste hombre ante su soledad…” -Gilles Lellouche-

 

“Siempre pensé en Gilles Lellouche, por dos razones: la primera es que soy muy sensible a la evolución de su trabajo. Se vuelve más denso y completo. Siento en él, ese deseo de progresar. Se permite expresar una forma de fragilidad y ternura. La segunda es que Gilles tiene algo en extremo francés y así quería que fuera su personaje en ésta historia de injusticia. Me inspiran mucho películas como El fugitivo con Harrison Ford: tipos ordinarios a los que les suceden cosas extraordinarias…” –Jérome Salle-

 

 

Y es que en efecto, el peso principal del filme, más allá del suspenso, la acción, la violencia y la breve historia de amor que aquí se intercala entre Mathieu y la atractiva joven rusa Svetlana interpretada por la bella musa del cineasta polaco Pawel Pawlikowski, la actriz polaca Joanna Kulig, la gran protagonista de Cold War/Guerra Fría (2018), recae en el actor Gilles Lellouche, cuya presencia abarca casi todo el tiempo en pantalla. Sus caídas morales, sus temores, la violencia física y sicológica de la que es objeto y la determinación de trastocarse en un hombre de acción para sobrevivir convierten a Kompromat en un thriller atípico con algunos momentos notables como el encuentro entre Mathieu y el sacerdote ortodoxo que lo oculta en la cajuela de su auto, la huida en el autobús en la frontera, los encuentros entre él y Svetlana en el pequeño supermercado, el escape de la embajada y sobre todo la cacería final en el bosque que inicia el brutal Sagarine contra éste, en un drama de suspenso al estilo hollywoodense que retrata las injusticias de las autoridades y las dificultades de vivir procesos legales siendo ciudadano extranjero, además de hostigamiento, difamación y una sanguinaria cacería por un régimen fascista y criminal.

          Kompromat recuerda algunos thrillers como Los tres días del cóndor (1975) y otros más de Sidney Pollack: el hombre inocente atrapado en una gran maquinaria dispuesto a aplastarlo, en la que no puede confiar en nadie, ni siquiera en los propios miembros de la embajada francesa e incluso llega a dudar de la bella joven que lo ayuda y arriesga su vida pese a apenas conocerlo, al tiempo que enfrenta a la opinión pública, al aparato judicial, a los ciudadanos comunes y a los propios intereses del Estado y del embajador francés en su contra, con todo y que su inocencia es más que evidente. Al mismo tiempo, guarda puntos en común con los filmes del presente milenio protagonizados por Liam Neeson, como la saga de Búsqueda implacable, a la que consigue darle la vuelta. Otros títulos del 26 Tour de cine francés son: Alta costura de Sylvie Ohayon, Crónica de una relación pasajera de Emmanuel Mouret, La cruzada de Louis Garrel, La brigada de cocina de Louis-Julien Petit, El mundo según Pierre de Clovis Cornillac y En movimiento de Cédric Klapisch.

 

 

RAFAEL AVIÑA

Centro Histórico de la ciudad de México

20 de octubre 2022

ENNIO. EL MAESTRO

Ennio: The Maestro/ The Glance of Music, Italia-Bélgica-Países Bajos-Japón, 2021)

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Dirección. Giuseppe Tornatore/ Guión. Giuseppe Tornatore/ Fotografía en color. Fabio Zamarion y Giancarlo Leggeri/ Música. Ennio Morricone/ Edición. Massimo Quaglia/ Diseño de Producción. Maurizio Sabatini/ Dirección de Arte. Maurizio di Clemente, Andrea Di Palma y Rafaella Giovannetti/ Vestuario. Brioni, Maurizio Millenotti/ Producción. Piano b Produzioni, Gaga, Potemkino, Fu Works, Blossoms Island Pictures, Eurimages, Gabriele Costa, Peter De Maegd, San Fu Maltha y Gianni Russo/ Con. Ennio Morricone, Bernardo Bertolucci, Elio Petri, Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Rafaella Leone, Sergio Leone, John Williams, Path Metheny, Giuseppe Tornatone, Bruce Springsteen, Nicola Piovani, Hans Zimmer, Quincy Jones, Oliver Stone, Dario Argento, Roland Joffé y más/ Duración. 156 mins.

 

SINOPSIS

Retrato de Ennio Morricone, el compositor de cine más popular y prolífico del siglo XX, uno de los más queridos por el público, dos veces ganador del Oscar y autor de más de quinientas partituras inolvidables. Hermoso homenaje en forma de documental que presenta al Maestro a través de una larga entrevista realizada por Tornatore, testimonios de artistas y directores como Bernardo Bertolucci, Giuliano Montaldo, Marco Bellocchio, Dario Argento, los hermanos Taviani, Carlo Verdone, Barry Levinson, Roland Joffé, Oliver Stone, Quentin Tarantino, Bruce Springsteen, Nicola Piovani, Hans Zimmer y Pat Metheny, música y material de archivo. El documental también se propone revelar el lado menos conocido de Morricone, como su pasión por el ajedrez, que puede tener vínculos misteriosos con su música. Así como el origen en la vida real de algunas de sus intuiciones musicales, como sucede con el grito del coyote que sugiere el tema de El bueno, el feo, y el malo, así como su amor por su esposa María…

 

 

Giuseppe Tornatore obtuvo el Premio a la Mejor Dirección en el festival de Bari y de Calcuta por Ennio: el Maestro y asimismo el premio que otorga la prensa especializada de cine en Italia.

 

 

“Mi compositor favorito, por encima de Mozart, Beethoven, Schubert» – Quentin Tarantino.

 

«Busqué la espiritualidad en la música del maestro» – Bruce Springsteen.

 

«Ve música donde otros no pueden» – Wong Kar Wai.

 

«Hoy sigue siendo único» – Clint Eastwood.

 

“Fueron con Morricone y cuando le preguntaron si quería protagonizar un documental sobre su vida, solo puso una condición: «Si lo hace Giuseppe, sí, si no, nada», así nació el proyecto. En un principio la película estaba concebida como una larga entrevista complementada con testimonios y alguna parte de ficción cinematográfica que luego descartamos…” –Giuseppe Tornatore-

 

 

¿Qué sería el cine sin la música? Con la llegada del cine sonoro, la música y las canciones cobraron una importancia capital. En el Hollywood clásico surgirían nombres de importantes compositores como Max Steiner, Erich Wolfgang Korngold o Bernard Herrmann. En México: Gonzalo Curiel, Manuel Esperón, Raúl Lavista, Antonio Díaz Conde, Rubén Fuentes y muchos más. Grandes realizadores encontrarían mancuernas perfectas como Don Siegel con Lalo Schifrin, Federico Fellini con Nino Rota, Sergio Leone con Ennio Morricone, o Francois Truffaut con Georges Delerue.

       Existen bandas sonoras inolvidables como: Un hombre y una mujer de Francis Lai, Lawrence de Arabia de Maurice Jarre, El último tango en París de Gato Barbieri, Taxi Driver de Bernard Herrmann, Ascensor para el cadalso de Miles Davies, Blow Up de Herbie Hancock, Camilla 2000 de Piero Piccioni, La ley de los gángsters de Piero Umiliani, Bullit de Lalo Schifrin, Shaft de Isaac Hayes, Old Man and the gun de Daniel Hart, Blow Out/Estallido de Pino Donaggio o El bueno, el malo y el feo, El clan de los sicilianos, Cena para tres o Érase una vez en América de Ennio Morricone, responsable de melodías y soundtracks extraordinarios para filmes igualmente notables, extraños, populares, cuyas bandas sonoras no sólo se encuentran a la altura de esas películas, sino que por sí mismas, resultan joyas musicales.

 

Morricone disfrutó de una enorme amistad y sociedad cinematográfica de por vida con su amigo y excompañero de escuela, Sergio Leone, quien lo contrató para componer Por un puñado de dólares el primero de sus Spaghetti Westerns en 1964. La banda sonora de Morricone para la última de la «trilogía», El bueno, el malo y el feo, está considerada como una de las más influyentes en la historia del cine y fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy en 2009. A su vez, Morricone ha inspirado a muchos compositores, desde creadores de bandas sonoras para películas hasta grupos de rock, entre los que aparecen: Hans Zimmer, John Williams, Dire Straits, Muse, Metallica y Radiohead.

      Morricone compuso más de 500 partituras para cine y televisión, trabajó en más de 100 obras clásicas y vendió más de 70 millones de discos durante una carrera de más de 70 años. En 2007 recibió el Oscar Honorífico de la Academia «por sus magníficas y multifacéticas contribuciones al arte de la música de cine». Es uno de los dos únicos compositores en recibir este galardón. Y en 2016, recibió su primer premio de la Academia de Hollywood por la banda sonora de Los ocho más odiados de Quentin Tarantino.

 

 

“Durante veinticinco años he trabajado con Ennio Morricone. He hecho casi todas mis películas con él. Durante todo este tiempo nuestra amistad se ha ido consolidando cada vez más. Película tras película, a medida que profundizaba mi conocimiento sobre su carácter como hombre y como artista, me preguntaba qué tipo de documental podría hacer sobre él. Y hoy mi sueño se ha hecho realidad. Quería hacer que «Ennio, El Maestro» diera a conocer la historia de Morricone al público de todo el mundo que admira sus creaciones. No se trataba sólo de que me contara su vida y su mágica relación con la música, sino de buscar en archivos de todo el mundo entrevistas y otras imágenes relativas a las innumerables colaboraciones realizadas en el pasado por Morricone con cineastas. Estructuré la película como un espectáculo en el que a través de los clips de las películas que musicalizó, las imágenes de archivo y los conciertos, pueda meterse al espectador en el formidable mundo espiritual y artístico de uno de los músicos más admirados del siglo XX. Por último me detuve en «mi» Ennio Morricone, contando también el método «muy especial» con el que hemos abordado siempre nuestro trabajo…” –Giusepe Tornatore-.

 

        Giuseppe Tornatore guarda una enorme correspondencia con el neorrealismo italiano. Al grado que se le considera su mayor heredero desde la irrupción de su exitosísima y multipremiada Cinema Paradiso (1989) filme emblemático no sólo del nuevo cine italiano, sino de esa cinematografía en general. Pese incluso a la presencia de nuevos y exitosos cineastas italianos surgidos a fines de los ochenta a la fecha: Nanni Moretti (Querido diario, La recamara del hijo), Roberto Benigni (La vida es bella, El tigre y la nieve), Gabriele Salvatores (Mediterráneo, El pozo), Matteo Garrone (Gomorra, Reality) o Paolo Sorrentino (El divo, La gran belleza, Fue la mano de Dios).

       Luego de los fracasos comerciales y de crítica ocurridos a Estamos todos bien (1990) y Una simple formalidad (1994), Tornatore, recuperaba la fórmula de Cinema Paradiso con El fabricante de estrellas (1995), nuevamente nominado al Oscar y ganador del Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia, con otra mirada sensiblera al cine, sus estrellas, sus admiradores y a los miles de extras que suelen pasar inadvertidos fascinados ante la llamada fábrica de sueños, seguida de obras como: Malena (2000) o el espléndido fresco italiano Baaria. Amor y pasión (2009), sobre la transformación social, cultural y política de Bagheria, un municipio de Palermo al que los sicilianos llaman Baaria, vista a través de los ojos de tres generaciones de una familia, desde fines de los años veinte hasta la década de los ochenta: el fascismo, el comunismo, la mafia, o los cambios urbanos del pequeño pueblo y su pintoresco grupo de habitantes, que funciona como una suerte de Amarcord (Federico Fellini, 1973) para un realizador nacido precisamente en esa localidad de Sicilia.

         Y sobre todo Al mejor postor (2013) que representa la culminación de su obra; un trabajo fuera de serie por su belleza formal, su fabulosos Diseño de Producción y escenografías. Un intrigante relato de suspenso muy por encima de otra obra interesante que en su momento pasó inadvertida: La desconocida (2006), una historia siniestra de violencia y desencanto social que describía el itinerario de una joven ucraniana convertida en esclava sexual de un brutal explotador. Y en todas ellas, existe un común denominador: la música del Maestro Ennio Morricone, quien ha trabajado en casi toda la filmografía de Tornatore, por ello no resulta casual que éste le propusiera a su compositor de cabecera un documental sobre su trabajo.

           Ennio. El Maestro es una confesión íntima, personal y profesional y sobre todo un sensible, sentido e inteligente homenaje a uno de los personajes más importantes de la cultura musical y popular del siglo XX y XXI: Ennio Morricone, músico al que no se le veía con buenos ojos, rechazado por sus compañeros por componer melodías populares y música para películas de “vaqueros”, cuya fama, justo se  catapulta cuando decide componer la banda sonora de una serie de filmes del “viejo oeste” dirigidas por su antiguo compañero de la primaria: el realizador italiano Sergio Leone…

         …Se trata de una trilogía de obras maestras en su fase más irónica, desparpajada y cruel: Por un puñado de dólares, Por unos dólares más y El bueno, el malo y el feo, protagonizadas por Clint Eastwood, un actor que tuvo que emigrar a Italia para convertirse en estrella. Filmes fundamentales dentro de la corriente del spaghetti western en la que Leone, apoyado en una fotografía estupenda, un hábil montaje, y sobre todo la característica música de Ennio Morricone logró un crudo retrato del western y de la guerra civil estadunidense.

         En efecto, una de las mayores renovaciones a un género que parecía haber muerto a principios de los setenta, la aportó el talentoso Leone con sus relatos plagados de cinismo, acción y humor negro. Personajes de una amoralidad delirante y vueltas de tuerca en tramas donde reina la ambición y el sadismo. Escenas antológicas como ese virtuoso travelling circular alrededor de unas tumbas mientras se escucha el tema “El éxtasis del oro” de Morricone, la secuencia del duelo final en el cementerio, o el equívoco entre soldados confederados y de la Unión a causa del polvo en sus uniformes en El bueno, el malo y el feo.

          Obras fílmicas y musicales notables también han sido parte del trabajo de Morricone como: El clan de los sicilianos, El pájaro de las plumas de cristal, Érase una vez en América, La misión, Los intocables y muchas más, a cargo de un compositor que fue la primera opción de Stanley Kubrick cuando buscaba quien realizara la música de Naranja Mecánica…

 

“Una condición que puse a los productores fue tener libertad para utilizar el repertorio cinematográfico, porque no me gustan los documentales sobre cine, donde las películas no se pueden utilizar porque los derechos son demasiado caros y te ves obligado a recurrir únicamente a las fotografías. Esto era fundamental para mí, porque vi desde el primer momento que la música sería el patrón condicionante de todo y que no queríamos hablar del nacimiento de músicas importantes como «La Misión», «Érase una vez en América» o incluso westerns, sin posibilidad de utilizar material fílmico… Sentí la necesidad de mostrar el perfil de Ennio Morricone que conocía bien, es decir, un hombre muy sencillo, pero a la vez absolutamente fuera de lo común y para contarlo necesitaba entrar un poco en la esfera de su vida, liberada del vínculo de la música y así tuve la oportunidad de mostrar su autenticidad. No necesitaba entrar en demasiados detalles porque la vida de Ennio es una vida simple. A pesar de ello fue franco y generoso, me dijo cosas que yo sabía y cosas que solo conocí gracias a la entrevista…” –Giuseppe Tornatore-

 

RAFAEL AVIÑA

Centro histórico de la Ciudad de México

13 de octubre 2022

 

EL VIAJE A PARÍS DE LA SEÑORA HARRIS/ LA SEÑORA HARRIS VA A PARÍS

(Mrs. Harris goes to Paris, Gran Bretaña-Hungría, 2022)

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Dirección. Anthony Fabian/ Guión. Anthony Fabian, Carroll Cartwright, Keith, Thompson, Olivia Hetreed, inspirado en la novela de Paul Gallico/ Fotografía en color. Felix Wiedemann/ Música. Rael Jones/ Edición. Barney Pilling/ Diseño de producción. Luciana Arrighi/ Dirección de arte. Attila Digi Kovári, Zoltán Sárdi/ Vestuario. Jenny Beavan/ Producción. Moonriver Content, Superbe Films, Hero Squared, Guillaume Benski, Anthony Fabian, Xavier Marchand, Jonathan Halperyn, Jane Hooks, Daniel Kresmery/ Con. Lesley Manville (Ada Harris), Jason Isaacs (Archie), Alba Baptista (Natasha), Isabelle Huppert (Claudine Colbert), Lambert Wilson (Marqués de Chassagne), Lucas Bravo (André Fauvel), Ellen Thomas (Violet Butterfield), Roxane Duran (Margueritte), Philippe Bertin (Christian Dior), Rose Williams (Pamela Penrose), Anna Chancellor (Lady Dant), Freddie Fox (oficial del ejército), Christian McKay (Giles Newcombe)/ Dur. 115 mins

 

SINOPSIS

En el Londres de la segunda posguerra, la señora Ada Harris mujer de cincuenta y tantos años viuda, se gana la vida limpiando casas. Se ha sentido muy sola desde que su amado marido Eddie desapareció en combate; sin embargo, no es de esas personas que se obsesionan con las desgracias o se quejan de sus circunstancias. Un día, cuando Ada descubre un bello e increíble vestido de Christian Dior colgado en el closet del dormitorio de una rica clienta, Lady Dent, decide hacer hasta lo imposible por conseguir uno de esos vestidos lujosos y caros: una auténtica obra de arte que puede cambiar la vida de alguien.

        Después de trabajar múltiples horas extras y de ahorrar todo lo posible y más, incluso de probar suerte en las carreras de galgos, Ada reúne el dinero para viajar a París y comprarse un modelo de Dior. Se despide de sus dos mejores amigos: Violet y Archie y visita la prestigiosa casa Dior para hacer realidad su sueño. No obstante, al llegar, debe enfrentarse a una serie de problemas y conflictos y a su vez, a la amedrentadora Sra. Colbert, gerente de la Casa Dior que se enfurece solo de pensar que una mujer de la limpieza pueda vestir alta costura.

       A pesar de todos los obstáculos que se cruzan en su camino, Ada rehúsa irse de París sin comprarse su vestido. Su inquebrantable decisión conquista a André el idealista contador de la casa Dior, a la generosa y sensible modelo Natasha, al aristócrata marqués de Chassagne; el soltero de oro de París y a las trabajadoras de la empresa Dior. Ada no tarda en descubrir que, al cambiar su vida, empieza a cambiar la vida de los que la rodean; e incluso a ayudar a salvar a la mismísima casa Dior en peligro de ir a la quiebra.

 

Adaptación de la novela Flores para la Sra. Harris del escritor Paul Gallico, a la gran pantalla, en la que el guionista y director Anthony Fabian logra crear un encantador cuento de hadas moderno sobre lo trascendente de perseguir los sueños, el poder de la amistad y la importancia de ser fiel a uno mismo.

 

“Flores para la señora Harris (1958) tuvo tanto éxito en su día que su autor, Paul Gallico, llegaría a dedicar al singular personaje tres novelas más. Esta fábula sobre el deseo y el entusiasmo, y también sobre su otra cara, la frustración, tiene desde luego mucho de cuento de hadas, pero es asimismo una aguda y divertida comedia social… La señora Harris tiene sus costumbre muy arraigadas y sus casas fijas para limpiar, hace su trabajo muy bien pero muchas veces se deja guiar por la simpatía que les tiene a los dueños de esas casas para seguir con su trabajo, su quiniela semanal con su mejor amiga y compañera de profesión y las visitas que se hacen la una a la otra forman el día a día de esta mujer, hasta que un día la vida de la señora Harris cambia cuando se encuentra con un Dior en una de las casas que limpia. A partir de ese momento la modesta señora Harris se obsesiona por conseguir uno de esos vestidos que originalmente están hechos y pensados para otro tipo de mujeres, algo que no disuade a la tozuda mujer, ni siquiera el elevado precio y la improbabilidad de que alguien de sus recursos consiga algún día poseer uno de esos vestidos, ya que la señora Harris posee un carácter peculiar y no tiene más sueños o aspiraciones en la vida. Ahorrará lo que haga falta el tiempo que sea necesario hasta conseguir su propósito…” –Anasy en http://www.rnovelaromantica.com-

 

El viaje a París de la señora Harris es sin duda una película realizada en la mejor tradición del cine clásico de los años cincuenta y sesenta, muy en la línea de Sabrina, La princesa que quería vivir o Mi bella dama protagonizadas por Audrey Hepburn con el tema de la alta costura y las bellas modelos que portan esas obras de arte en tela; tema que aparece en obras tan disímbolas como: Los caprichos de la moda de Robert Altman, El diablo viste a la moda de David Frankel o El hilo fantasma de Paul Thomas Anderson, en un relato breve, compacto, agradable y muy entretenido, cuya principal virtud es el encanto y el carisma de esa gran protagonista que es la actriz británica Lesley Manville, espléndida actriz de apoyo en filmes como: Maléfica, Secretos y mentiras, la citada El hilo fantasma, e incluso en un notable papel de malvada en la muy reciente Déjalo ir con Kevin Costner y Diane Lane.

       No sólo eso, la película es de una eficacia narrativa tal, que la trama fluye y las vueltas de tuerca, los obstáculos y las buenas acciones, así como los momentos de fortuna que se entrecruzan en la vida de la señora Harris aparecen en el momento justo y además de ello, está rodeada de atractivos personajes buenos o malos, o incluso que parecen villanos y no lo son, como el pequeño pero espléndido personaje de Isabelle Huppert como Claudine Colbert, la gerente de la Casa Dior, la bella y sensible modelo Natasha, su enamorado, el atractivo contador André Fauvel fascinado con Sartre y el existencialismo, el enigmático Marqués de Chassagne que encarna Lambert Wilson o la linda Margueritte, asistente de Madame Colbert, así como los fieles amigos ingleses de la señora Harris: Violet su mejor cómplice y Archie quien al parecer siempre ha estado enamorado de ella.

 

Paul Gallico, periodista de deportes nacido en Nueva York de padre italiano y madre austriaca, prolífico guionista de cine y de televisión (colaborador asiduo de la teleserie Disneylandia) y el mismo autor de las novelas: Lili y La aventura del Poseidón que en su momento tuvieran una exitosa adaptación cinematográfica; la primera con Leslie Caron en 1953 dirigida por Charles Walters y la segunda, un espectacular relato de catástrofe en alta mar dirigida en 1972 por Ronald Neame con Gene Hackman, Ernest Borgnine y Shelly Winters, tuvo a su vez enorme éxito con su novela Flores para la señora Harris llevada a la pantalla chica en un telefilme de 1992 y una serie televisiva de 1991.

       Ésta nueva adaptación fílmica bajo el título de El viaje a París de la señora Harris, se trastoca en un relato de enorme ternura, una suerte de fábula moderna sobre la sencillez, la bondad, el impulso de los sueños y el amor en todas sus aseveraciones. Un filme sin complicaciones que mantiene el interés, el buen ánimo y que remata con un espléndido y feliz final en un salón de baile, luego de que el espectador sufre de algún modo con la quemadura del vestido de Dior y la poca empatía de esa aspirante a actriz a la que la protagonista le ha prestado su bello vestido que ha comprado con todos los sacrificios del mundo…

 

         …Por cierto, el vestuario de las protagonistas, inspirado en los trajes reales que llevaban las clientas de la casa de costura en los años cincuenta fue confeccionado por Jenny Beavan, la diseñadora de vestuario ganadora del Oscar por la película Cruella…

 

RAFAEL AVIÑA

Centro Histórico de la ciudad de México

27 de septiembre de 2022

 

LOS BEATLES EN LA INDIA/ LOS BEATLES Y LA INDIA

(The Beatles and India, Gran Bretaña-India, 2021)

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Dirección. Ajoy Bose y Peter Compton/ Guión. Ajoy Bose/ Fotografía en color. Andy Dunn y Virendra Khanna/ Música. The Beatles, George Harrison, Ravi Shankar, Benji Merrison y otros/ Edición. Ben Nugent/ Sonido. Nikita Budash, Luke Corradine, Simon Hill/Producción. Silva Screen, Renoir Pictures, Reynold D’Silva/ Con. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Star, Pattie Boyd, Ravi Shankar, Maharishi Mahesh Yogi, Saeed Naqvi/ Duración. 96 mins.

 

SINOPSIS

Una crónica histórica y única sobre la historia de amor entre Los Beatles e India que empezó hace más de medio siglo. Imágenes de archivo excepcionales, fotografías, relatos de testigos presenciales y comentarios de expertos (la exmujer de George Harrison Pattie Boyd, o el periodista Saeed Naqvi, entre otros), junto con filmaciones en toda la India, dan vida al fascinante viaje de George, John, Paul y Ringo desde sus vidas de celebridades mundiales en Occidente hasta un ashram (monasterio de meditación) perdido en el Himalaya en busca de la felicidad espiritual: una época que inspiró un estallido creativo sin precedentes en la composición de canciones. Esta es la primera exploración seria de cómo la India contribuyó a dar forma a la evolución de la emblemática banda, y cómo ayudaron a tender un puente entre dos culturas muy opuestas.

 

 

Nominada al Premio Tiempo de Historia en el Festival de Valladolid, España

 

“Una notable adición a la lista siempre creciente de crónicas de la vida de The Beatles» – The Wire.

 

«Un documental musical cautivador y atrayente» – The Guardian.

 

Los Beatles en la India, está dirigida por el periodista Ajoy Bose junto al investigador cultural Peter Compton, una película documental inspirada en el propio libro de Bose, Across the Universe: The Beatles in India. Una obra que conmemora el cincuenta aniversario del histórico viaje del cuarteto de Liverpool a Rishikesh, que marcó un antes y un después en su forma de entender la música y la vida.

 

 

Siendo Los Beatles el grupo más revolucionario dentro de la música moderna, resulta extraño que su imagen a través del cine y el video se haya explotado relativamente poco. Y es que a la fecha, la historia del cuarteto Liverpool sigue siendo un misterio. Más allá de sus delirantes filmes realizados bajo la mano maestra de Richard Lester (La noche de un día dificil, Help!) o Michael Lindsay Hogg, Let It Be, así como El submarino amarillo de George Dunning que lleva a los extremos de la animación la parafernalia sicodélica y el modernismo que encarnaban Los Beatles en ese polémico año de 1968, que incluye temas como “Hey Bulldog” -en una secuencia nueva  que no fue utilizada en su estreno-, “All You Need is Love”, “All Together Now” y por supuesto el gran soundtrack a cargo de George Martin, quien se sumergió con John, Paul, Ringo y George en esa mágica y pacífica tierra de Peperland amenazada repentinamente por los “Blue Meanies” liderados por el terrible Flying Glove. O las decenas de documentales sobre la trayectoria del grupo y el contexto socio-histórico que les tocó vivir, la vida íntima de John, Paul, George, Ringo (Pete y Stu) parece mantenerse en el anonimato.

       Backbeat-el inicio de los Beatles (1994) de Iain Softley cuenta la historia de Pete Best, el baterista original -más tarde, sustituido por Ringo Starr- y del bajista Stuart Sutcliffe. Sus aventuras de sexo, drogas y rock, mientras se hacían hombres y músicos en los tugurios de Hamburgo, meses antes de su despegue en la mítica Caverna de Liverpool, dicen más que las disparejas películas de Ringo -el de la filmografía más prolífica, entre ellas Orgía dorada- y las pobrísimas apariciones de Harrison y McCartney, por ejemplo.

     De Los Beatles, John Lennon es sin duda, al que le tocó correr con más suerte en cuanto a iconografía fílmica. Como gané la guerra (1967) -realizada entre Viaje mágico y misterioso y Déjalo ser- pudo ser un filme de culto; más tarde, Imagina (1988), del brillante documentalista Andrew Solt armado con más de 240 horas de película del archivo de Yoko Ono, consiguió de alguna manera resucitar a Lennon como narrador de su propia historia de triunfos, fracasos y angustias. A su vez, Las horas y los tiempos de Christopher Münch, filme inquietante que se adentra en otra faceta del más controvertido de Los Beatles. Se trata de una curiosa mezcla de reportaje y docuficción de tan sólo 60 minutos, que intenta desentrañar la ambigua relación entre John Lennon y Brian Epstein, el judío millonario que a duras penas ocultaba su condición gay. De hecho, Epstein se convirtió en representante del cuarteto, no tanto por su impacto musical, sino por las fantasías eróticas que esos jovencitos despertaron en él -en particular John-, la noche que los vio actuar en La caverna.

            Epstein se convirtió en parte importante en la vida privada y pública de Lennon. Un asedio con el que tuvo que cargar Cynthia su mujer y Los Beatles restantes. El filme de Münch, integra junto con Backbeat, un insólito díptico del pasado más remoto y menos explorado del fenómeno Beatle, ambas protagonizadas por Ian Hart como Lennon. A su vez, las dos se internan en los triángulos amorosos-laborales y de camaradería de un joven y rebelde Lennon al lado de Epstein y Cynthia y en Backbeat, John, su gran amigo Sutcliffe y la bella fotógrafa alemana, Astrid Kircherr, cuya influencia fue decisiva en el grupo más polémico y revolucionario en la historia de la música moderna…

      

            …Curiosamente, de manera reciente aparecieron dos documentales muy opuestos sobre John, Paul, George y Ringo. Por una parte, la espectacular miniserie documental televisiva The Beatles: Get Back (2021) producida por Disney y dirigida por el neozelandés Peter Jackson (El señor de los anillos, Criaturas celestiales). Una fastuosa producción de 157 minutos con numeroso material inédito que muestra la cordialidad, la camaradería y el humor que reinaban durante la realización de Let It Be, el legendario álbum de estudio de los Beatles, y su último concierto en directo como grupo, la inolvidable actuación en la azotea de la calle Savile Row en Londres. Ello, a partir de más de 55 horas de material inédito, filmado por Michael Lindsay-Hogg en 1969, y 140 horas de grabaciones de audio de las sesiones de grabación del álbum «Let It Be» que se han escuchado en muy pocas ocasiones.

      Y en contraparte, un documental sencillo, de producción precaria pero con una serie de materiales, entrevistas y declaraciones totalmente desconocidas sobre ese periodo oculto de The Beatles durante su viaje a la India, a dónde acudieron fascinados para desintoxicarse de las drogas (aunque probaron otras), de la cotidianidad urbana, de la presión del éxito, para encontrar la paz mental y a su vez, renovar su repertorio musical explorando con la música tradicional de la India y sus instrumentos como el sitar, oriundo de la India y Pakistán, instrumento de cuerda pulsada, semejante a la guitarra, el laúd o el banjo pero con el mástil más grande. Se identifica por su sonido metalizado y sus glissandos. Un periplo que incluyó las lecciones con el gran Ravi Shankar que enseñó a George Harrison a tocar el sitar o su encuentro luminoso y oscuro con el afamado gurú el Maharishi a quien consideraron un traidor y años después se reconciliaron con él como lo muestra Los Beatles en la India…

 

        … En marzo de 1964 a su regreso a Gran Bretaña, dos semanas después de la exitosa presentación y lanzamiento de Los Beatles en Estados Unidos con el álbum de Quiero estrechar tu mano, se empezó a cocinar lo que sería su primer película, La noche de un día difícil (A Hard Day’s Night, 1964)  titulada provisionalmente Beatlemanía. El productor estadunidense Walter Shenson respaldado por United Artists la firma productora de los filmes de James Bond, otro de los enormes símbolos británicos y Brian Epstein, manager y descubridor de Los Beatles eligieron al joven realizador de comerciales y televisión, Richard Lester (1932), nacido en Filadelfia pero afincado en Londres desde tiempo atrás.

       Asimismo, fue idea de Epstein, el incluir como argumentista a Alun Owen, adaptador  de obras teatrales para la TV y oriundo de Liverpool como él, célebre por su habilidad para captar los modismos y diálogos locales. Owen fue enviado con John, Paul, Ringo y George para compartir con ellos sus giras y captar su estilo y modo de vida y que resultó una de las mejores representaciones del Londres enloquecido de aquella época junto con otros filmes memorables de 1966 como Alfie y Blow Up.

         Más de cinco décadas después de su estreno, Paul enviudó y se volvió a casar, John fue acribillado a las afueras del edificio Dakota en Nueva York por el maniático de Mark Chapman, a George se le detectó cáncer y falleció y Ringo se ha mentenido en un discreto semiretiro. El mérito de La noche de un día difícil, fue el presentar a Los Beatles en su contexto cotidiano y al mismo tiempo como mitos a través de su indumentaria, corte de cabello, estilo musical y  ambigua sexualidad como síntoma de rebeldía exterior.

       Un año después, Lester y Los Beatles regresarían con Help!/ Socorro (1965) que sirvió para lanzar el álbum homónimo en una historia delirante y divertida que involucraba una secta sangrienta de la Diosa Kali en la India que marcaba el inicio de la relación de John, Paul, George y Ringo con aquel misterioso país… Los Beatles en la India, arranca con una brillante secuencia de créditos con música y escenas de baile de películas de la India (Bollywood) que se intercalan con escenas de Los Beatles, para narrar ese, su viaje mágico y misterioso a aquel país.

        Antes de su inminente separación que ocurriría en 1970, Los Beatles viajaron en febrero de 1968 a Rishikesh al norte de la India, para asistir a una sesión de Meditación trascendental en el monasterio del Maestro Yogi Maharishi, teniendo toda la atención de los medios de comunicación, su visita fue uno de los períodos más productivos de la banda a partir de una propuesta de George Harrison, como lo muestra el documental de Bose y Compton. Meses antes, en 1967, habían planeado asistir a una sesión de diez días en Gran Bretaña con el Maharishi, no obstante debido a la muerte de Brian Epstein cancelaron y siguieron en contacto con él para viajar en 1968 con él cerca del Himalaya.

          Así, acompañados de sus esposas, novias, asistentes y numerosos reporteros, Los Beatles llegaron a la India junto con otras figuras como: Donovan, Mike Love del grupo Beach Boys, y Mía Farrow. Ahí, Lennon, McCartney, Harrison, y Star escribieron varias canciones, entre ellas: Revolución, Obladi, Oblada y Black Bird, entre otras; 18 de ellas fueron grabadas para el álbum Blanco y otras dos aparecieron en el álbum Abbey Road. Los Beatles abandonarían la India, debido a desacuerdos y rumores del comportamiento inadecuado del Maharishi con sus alumnas que inspiró la canción Sexy Sadie, que originalmente se llamaba »Maharashi». Todo ello, debido a la influencia del técnico en electrónica, Alex Marda (Alex Magic), oriundo de Grecia y gran amigo de Los Beatles que quería separarlos del Maharishi, tal y como lo plantea un documental que propone nuevos enigmas e historias sobre la banda musical más importante del mundo.

 

 

RAFAEL AVIÑA

Centro Histórico de la Ciudad de México

14 de septiembre 2022

INTRIGA/ LA SOSPECHA/ PRISIONEROS

(Prisoners, Canadá-Estados Unidos, 2013)

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Dirección. Denis Villeneuve/ Guión. Aaron Guzikowski/ Fotografía en color. Roger Deakins/ Música. Johann Johannsson/ Edición. Joel Cox, Gary Roach/ Diseño de producción. Patrice Vermette/ Dirección de arte. Paul D. Kelly/ Vestuario. Renée April/ Producción. Alcon Entertainment, 8:38 Productions, Madhouse Entertainment. Kira Davis, Broderick Johnson, Adam Kolbrener, Andrew A. Kosove, Steven P. Wegner/ Con. Hugh Jackman (Keller Dover), Jake Gyllenhaal (detective Loki), Viola Davis (Nancy Birch), Maria Bello (Grace Dover), Terrence Howard (Franklin Birch), Melissa Leo (Holly Jones), Paul Dano (Alex Jones), Dylan Minnette (Ralph Dover), Zoe Soul (Eliza Birch), Erin Gerasimovich (Anna Dover), Kyla Drew (Joy Birch), David Dastmalchian (Bob Taylor), Len Cariou (Padre Dunn)/ Dur. 153 mins.

 

SINOPSIS

Pensilvania. El día de acción de gracias, Keller Dover, alcohólico rehabilitado, su esposa Grace y sus hijos van a cenar a la casa de sus amigos, Franklin y Nancy Birch, Esa tarde lluviosa, las hijas menores de ambas familias -Anna y Joy- salen sin permiso a la casa de los Dover, para buscar un silbato. Sin embargo, las niñas no regresan a la casa de los Birch, lo que alarma a sus padres. La policía localiza una casa remolque o autocaravana que se encontraba estacionada cerca de la casa, y que había llamado la atención de las niñas antes de su desaparición. El vehículo pertenece a un joven llamado Alex Jones que vive con su anciana tía Holly. Alex intenta escapar pero choca contra un árbol y es arrestado por la policía.

       El detective Loki interroga al joven y nada descubre sobre el paradero de las niñas, ya que Alex presenta una discapacidad mental, es casi como un niño. Sin pruebas concluyentes sobre la responsabilidad del detenido, la policía lo libera. Keller encara a Alex a la salida de la comisaría, y Alex le susurra: “No lloraron hasta que las dejé”. Convencido de que el joven sabe dónde está su hija, Keller secuestra a Alex y lo encierra en la casa abandonada de su padre fallecido un ex carcelero que se suicidó años atrás. Ahí, Keller interroga y tortura a Alex durante días, sin obtener una respuesta clara a sus preguntas. Franklin y su esposa Nancy, no están de acuerdo pero dejan que continué.

       La investigación de Loki lo lleva a la casa del alcohólico cura Patrick Dunn y en su sótano encuentra un cadáver atado a una silla, que tiene un amuleto en el cuello (un laberinto). Tras ser interrogado, el sacerdote le dice que mató al hombre porque confesó haber asesinado a varios niños. Seguido de ello, Loki sigue los pasos de un nuevo sospechoso, quien habría entrado a las casas de ambas familias días después del secuestro: un joven llamado Bob Taylor, cuyas paredes de la casa están llenas de dibujos de laberintos y tiene cajas con víboras y ropa de niños ensangrentada en su interior. Mientras es interrogado, el sospechoso le quita la pistola a Loki y se suicida.

        La policía determina que la sangre encontrada en la casa del sospechoso es de cerdo, y posteriormente se descubre que Taylor había sido secuestrado cuando niño, y desde entonces había estado obsesionado con laberintos. El joven había obtenido la ropa de Anna y Joy de sus casas, y por lo tanto no participó en el secuestro de las niñas. Alex revela a Keller que ese no es su verdadero nombre, y que cuando era niño logró escapar de un laberinto. Keller visita a la tía de Alex, Holly y le menciona el tema de los laberintos. La mujer solo le dice que Alex no habla mucho, debido a un accidente que sufrió en su niñez con unas serpientes.

         Días después, Joy es encontrada en la calle, desorientada y drogada. Keller la visita en el hospital para preguntarle por el paradero de su hija, pero la niña solo logra decir: “Tú has estado ahí”. El hombre sale corriendo del lugar y Loki intenta alcanzarlo. El detective llega a la casa abandonada donde está Alex, pero no encuentra a Keller, quien se ha ido a la casa de Alex, para interrogar a su tía. Sin embargo, la mujer lo amenaza con una pistola y le explica que ella fue la responsable del secuestro. Ella y su marido habían secuestrado a varios niños a lo largo de los años, lo que veían como una “guerra contra Dios” debido a que su propio hijo murió de cáncer en la infancia. Alex fue el primer niño secuestrado, y desde entonces fue adoptado por la pareja.

      Holly dispara a Keller y lo encierra en un escondite subterráneo, que está en el patio de su casa, bajo un automóvil viejo. Allí encuentra el silbato que estaba buscando su hija el día en que fue secuestrada. Minutos después, la mujer es visitada por Loki, para informar que Alex fue localizado. Dado que nadie abre la puerta, el detective entra a la casa y encuentra una foto del marido, que tiene el amuleto del laberinto que llevaba el cadáver. Loki saca su arma y registra la casa y observa a Holly suministrado un veneno a la niña, por lo que el detective mata a Holly y herido, lleva a Anna a toda prisa al hospital. La niña logra sobrevivir.

       Esa noche, el detective va a la casa de Holly, donde un grupo de policías busca pistas sobre los demás niños secuestrados y sobre el paradero de Keller. Los policías le informan que no pueden seguir excavando el lugar, ya que la tierra está demasiado congelada, así que Loki se queda solo. En aquel momento, el detective escucha el sonido de un silbato, proveniente del escondite donde está Keller…

 

“El guión de Intriga es obra de Aaron Guzikowski, quien afirma que su primera inspiración era algo mucho menos oscuro que lo que terminó siendo: “Lo primero que tuve en mente, fue ese sentimiento de lo que te ocurre cuando no encuentras algo tan trivial como las llaves del coche o el teléfono», recuerda. «Ese ligero pánico que sientes cuando vas a buscar algo que sabes que estaba en un sitio y no lo encuentras». Pero eso fue antes de que tuviera hijos. «Cuando tuve a mis hijos y traté de imaginar la misma sensación, pero en este caso con ellos, la cosa fue totalmente distinta. ¿Qué efecto tiene eso en la mente de las personas? ¿Cómo te cambia, qué te impulsa a hacer que normalmente nunca harías?». El productor Broderick Johnson añade: «El guión de Aaron te engancha desde el primer instante. Descubres a unos personajes encantadores que de pronto se tienen que enfrentar a esta increíble situación y, a medida que va pasando el tiempo, la presión va aumentando, y se convierte en un thriller oscuro y sobrecogedor que te aterra y te hace pensar al mismo tiempo».

«Si te fijas en el trabajo de Denis, uno de sus denominadores comunes es la humanidad absoluta, la naturaleza real de los conflictos emocionales. Sabíamos que la historia no podía estar en mejores manos». –lahiguera.net-

 

Intriga dirigida por Denis Villeneuve, el realizador canadiense de filmes como: La mujer que cantaba, Enemigo/ El hombre duplicado, Sicario o Blade Runner 2049, es un tenso, desasosegante, violento e inquietante relato de suspenso; un pycho thriller a medio camino entre Zodiaco (2007) y Seven (1995) ambas de David Fincher, nominada al Oscar a Mejor Fotografía. A su vez, Intriga obtuvo el galardón a Mejor reparto por parte de la National Board of Review. Premio del público en el Festival de Toronto y tres nominaciones incluyendo Mejor actor secundario para Jake Gyllenhaal en los Satélite Awards.

 

“Desde el primer momento me impresionó la forma en que Aaron describía lo que un padre estaría dispuesto a hacer por su hijo en unas circunstancias tan extraordinarias, pero también la forma en que este acto violento contra una familia se cuela dentro de ellos y entre ellos, destruyendo una parte de su intimidad, y lo que cada uno tiene que hacer para sobrevivir. Me conmovió mucho… Intriga afronta uno de los temas más complejos de la vida: los niños desaparecidos. El simple hecho de pensar en ello nos hace sentir incómodos, instantáneamente el miedo se apodera de nosotros. Y la idea ¿Qué haría si me ocurriera a mí? resulta verdaderamente impensable. Te preguntas hasta dónde llegarías para encontrar a tu hijo antes de que sea demasiado tarde. O qué es lo que le harías a la persona de la que estuvieras convencido que es la responsable si pudieras. Y qué pasaría si no lo hicieras y eso marcara la diferencia. El miedo te lleva a pensar así y condiciona las respuestas. Incluso desde la seguridad de la butaca en el cine, los complejos conflictos morales que surgen a partir de nuestras reacciones ante esta emoción tan singular resultan fascinantes. Para mí, como director, estudiarlas y analizar nuestra humanidad a través de la riqueza de estos personajes me resultaba tan atractivo que estaba dispuesto a enfrentarme a mis propios miedos…». –Denis Villeneuve, lahiguera.net-

 

 

Sin duda, el primer acierto de éste, el primer largometraje realizado en Estados Unidos con estrellas de Hollywood del cineasta Denis Villeneuve, cuya obra tiene varios puntos de coincidencia con la filmografía del realizador armenio canadiense Atom Egoyan: Dulce porvenir, Ararat, Adoración, en relación a los temas de fatalidad, redención, y culpa, es la manera en que aborda un tema tan delicado y orientado al melodrama. Intriga se vale del suspenso, del thriller de misterio y la utilización de pasados traumáticos para contar una devastadora historia que derrumba la cotidianidad de varias familias: una victimaria y las otras víctimas, que a su vez, en su desesperación se trastocan también en victimarios contra jóvenes que sufrieron los mismos infiernos. Una suerte de círculo vicioso de trauma, horror y redención, cuyas heridas parecen no sanarán nunca.

          Se trata de un relato sobre los odios enconados, la ignorancia y la inutilidad de la venganza y los horrores que engendra. A su vez, Intriga crea una atmósfera agobiante y claustrofóbica con algunas breves pistas sobre el entramado de suspenso y sobre las verdaderas víctimas y los verdaderos culpables en donde nada es lo que parece. Y es que, la trama profundiza en una situación que afecta tanto a ambas familias como a la comunidad en la que viven, y al detective que intenta resolver a marchas forzadas el caso antes de que sea demasiado tarde; un policía que ha pasado por el sistema de reformatorios que encontró su lugar en otra institución, el cuerpo de policía, lo que le ayuda a incursionar sin miedo en ese mundo que no resulta desconocido para él, como sucede a su vez en otros thrillers de asesinos sicópatas como serían las citadas: Seven, Zodiaco y a su vez, El silencio de los inocentes (Jonathan Demme, 1990).

         No en balde, uno de los cineastas más sólidos, intrigantes y potentes del nuevo milenio es sin duda el canadiense Denis Villeneuve, capaz de construir relatos intimistas de gran amargura como: Politécnico o La mujer que cantaba. Dramas sicológicos sobre el poder del subconsciente y sus efectos colaterales como la neurosis sexual que se construye en la cabeza del protagonista, como lo muestra Enemigo/El hombre duplicado. Thrillers de enorme tensión y violencia como: Intriga o Sicario, relato poderoso, excitante y reflexivo además de ser un inquietante viaje a las entrañas de la violencia por el control de los carteles. E incluso, impactantes relatos de ciencia ficción de enorme sensibilidad y suspenso como lo proponen: La llegada o el noir futurista Blade Runner 2049 y su más reciente trabajo: la nueva versión de Dunas. En Intriga, Villeneuve enfoca el relato desde distintas perspectivas con un tema oscuro y duro, pero también profundo, en el que consigue que el espectador conecte con todos los personajes, víctimas o victimarios.

“Cada personaje de la película es, en uno u otro sentido, un prisionero de las circunstancias, de sus propias neurosis, del miedo. Cada persona tiene que enfrentarse a su propio encierro, y cada una tendrá que encontrar su forma de salir…». –Denis Villeneuve, lahiguera.net-

 

RAFAEL AVIÑA

Centro Histórico de la Ciudad de México

29 de agosto 2022

 

ELVIS: EL REY HA VUELTO Y (EL CINE LE RINDE CULTO A ELVIS PRESLEY)

(Elvis: the Movie, Estados Unidos, 1979)

Elvis (1979)1

Dirección. John Carpenter/ Guión. Anthony Lawrence/ Fotografía en color. Donald M. Morgan/ Música. Joe Renzetti y canciones de Elvis Presley/ Edición. Christopher Holmes, Ron Moler/ Diseño de producción. John Carpenter/ Dirección de arte. Tracy Bousman, James William Newport/ Vestuario. Suzanne Grace, Richard Mahoney/ Producción. Anthony Lawrence, James Ritz, Dick Clark Productions, American Broadcasting Company (ABC)/ Con. Kurt Russell (Elvis Presley) (doblado en las canciones por Ronnie McDowell), Shelley Winters (Gladys Presley, la madre), Season Hubley (Priscila Presley), Bing Russell (Vernon Presley, el padre) Pat Hingle (Coronel Tom Parker), Robert Gray (Red West), Charles Cyphers (Sam Phillips), Ellen Travolta (Marion Keisker)/ Duración. 168 mins.

 

SINOPSIS

El Rey, Elvis Presley, va a reaparecer en Las Vegas… Antes del concierto, en un afamado hotel de esa ciudad, Elvis recuerda imágenes de su pasado, de su rebelde juventud, sus primeros días en Menphis, su escalada a la fama y a la fortuna y, sobre todo, rememora a su verdadero amor: Priscilla.

 

Película realizada para la TV que se inspira en la vida de Elvis Presley poco antes de su fallecimiento en 1977. Ésta fue la última aparición de Kurt Russell en televisión y su primera colaboración con el realizador John Carpenter con el que el actor trabajó en diversas ocasiones. La esposa de ese momento y el padre de Kurt: Season Hubley y Bing Russell, interpretan a la esposa y al padre de Elvis Presley.

 

El telefilme fue nominado al Emmy a Mejor actor (Kurt Russell), maquillaje y fotografía. Y a su vez, al Globo de Oro como Mejor película televisiva…

 

…Sin duda, un actor que parece llevar la sangre de Elvis en las venas es Kurt Russell. En 1979 protagonizó ésta excepcional biografía fílmica. De manera curiosa, ésta, la primera de las dramatizaciones sobre Elvis, es sin duda la más lograda y la única que a pesar de algunas violentas elipsis se acerque vigorosamente al mito del Rey, al igual que la nueva, exuberante y espectacular versión cinematográfica a cargo del australiano Baz Luhrmann: Elvis (2022); película que explora la vida y la música de Elvis Presley (Austin Butler) a través de su relación con el coronel Tom Parker (Tom Hanks), su enigmático manager. La historia profundiza en la compleja dinámica que existía entre Presley y Parker por más de 20 años, desde el ascenso de Presley a la fama hasta su estrellato sin precedentes, en el contexto de la revolución cultural y la pérdida de la inocencia en Estados Unidos. Y en el centro de ese viaje aparece Priscilla Presley (Olivia DeJonge), una de las personas más importantes e influyentes en la vida de Elvis.

         Por su parte, con el telefilme protagonizado Kurt Russell, Carpenter, quien acababa de terminar su obra maestra serie B, Halloween (1979), consigue su primer gran ejercicio de creación de personajes, en la figura de Presley, desde sus días preparatorianos hasta su decadencia en Las Vegas, papel interpretado magistralmente por Russell; una suerte de ídolo sensual, violento e irónico como antecedente de su notable personaje de Snake Plissken en Escape de Nueva York (John Carpenter, 1980); Ronnie McDowell, se encargó de prestar su voz en la interpretación de los temas musicales. Asimismo, Russell lució de nuevo el atuendo de Elvis en Tango y Cash (1989) y en 3000 millas al infierno (2001).

      La revisión de Elvis: el rey ha vuelto es un pretexto para explorar la amplia filmografía alrededor del rey del rock, sobre todo en el siglo XX…

 

      …Cuando el hermano gemelo de Elvis murió al momento del parto, su madre interpretó el hecho como una señal divina destinada a marcar de manera especial la vida de su hijo. Es tal vez, a partir de ese momento cuando surge el culto hacia la figura del rocanrolero más célebre en la historia del género. Un culto que ha alcanzado proporciones religiosas como lo indican las fervientes muestras de adoración de sus fanáticos, que se reúnen en la no menos célebre Graceland -la residencia Elvis-, en Memphis, Tennessee, cada aniversario de su muerte, uno de los decesos que más especulaciones ha suscitado desde que se anunció el fallecimiento de El Rey, debido supuestamente a una crisis cardiaca, según la versión oficial, ocurrida el 16 de agosto de 1977.

         Descabelladas teorías, relatos fantásticos y sobrenaturales y rumores concernientes a su muerte, que incluyen tratos con extraterrestres y la opción de que incluso permaneciera aún vivo, han alimentado las páginas de periódicos y revistas sensacionalistas. A 45 años de su fallecimiento siguen surgiendo nuevas biografías, películas e historias sobre su trayectoria. Pero sobre todo, resulta innegable la influencia musical del ídolo musical quien de la mano de su mánager el coronel Tom Parker llevó los acordes de su guitarra y sus frenéticos movimientos de baile, desde Tupelo, Mississippi -su pueblo natal-, a los más recónditos lugares del planeta donde existiera un tocadiscos o una radio, abarcando a su vez, el cine y la televisión.

       Con una larga aunque mediocre filmografía que incluyó 33 películas que se inician en 1956 con La novia robada/ Love Me Tender, un anodino western donde interpretaba a un joven ranchero rebelde sin causa en un ambiente rural del siglo pasado y que concluye con Elvis On Tour,  una gira de conciertos llevada a cabo en 1972, sólo pueden rescatarse un par de títulos como Prisionero del rock´n roll/ Jailhouse Rock (1957) y Melodía siniestra/ King Creole (1958), cuyo estreno en el cine Las Américas, causó conmoción en nuestro país. En ambas cintas, se respetó la imagen inconforme y rebelde de Elvis, algo que no sucedió con su nutrida obra fílmica, simple pretexto para la interpretación de sus canciones y que incluye cintas delirantes como Fun In Acapulco (1963) -al lado de la bella actriz ojiverde Elsa Cárdenas- y Charro! (1969), cuyo título habla por sí mismo.

       Videos, documentales, decenas de dramatizaciones y otras cintas de ficción, han intentado dar fe de oscuros o radiantes momentos de su existencia, una atracción que el cine ha sentido tanto por su figura pública y privada como por sus canciones. Trastocado en un mito de la cultura popular como lo fueran James Dean, Marilyn Monroe, o Charles Manson, Elvis suele ser invocado con frecuencia en el cine, en homenajes que van de lo intrascendente a lo profundo, conformando incluso una buena parte o todo el entramado de algunos filmes. En Robocop 2 (1990) de Irvin Kershner, por ejemplo, el protagonista se enfrenta a un violentísimo traficante drogadicto convertido en otra máquina humana con mentalidad sicópata y adicto a un poderoso estimulante, el nuke, y en cuyo altar se mezclan íconos religiosos y figuras míticas como Elvis.

        En Rebelde sin destino (Out of Blue, 1980) de Dennis Hopper, filmada en Canadá, la protagonista (Linda Manz), una adolescente cuya madre es una drogadicta histérica y su padre un violento alcohólico, desahoga sus traumas infantiles, mostrando una actitud agresiva, acatando un estilo de vida punk y un fanatismo desmedido tanto por Sid Vicious, líder de los Sex Pistols, como por el entonces recién fallecido Elvis Presley, en este perturbador y negrísimo drama que se ambienta en 1977, año de la muerte de Elvis.

         Por su parte, Jim Jarmusch en El tren del misterio (Mystery Train, 1988), realizó uno de los mayores y más inteligentes homenajes al mito Elvis, que inicia desde el título, el mismo de una de las canciones del Rey, que se escucha en varias ocasiones. Conformada por tres historias que terminan relacionándose entre sí, se narra la llegada en tren de una pareja de turistas japoneses a la ciudad de Memphis, Tennessee, con la intención de visitar lugares de culto como Graceland y el Sun Estudio. Ambos discuten constantemente por sus preferencias, él es fanático de Carl Perkins y ella de Elvis, hasta que llegan a un fantasmal hotel poblado de efigies de Presley en todas las habitaciones. Otro de los relatos, une a una viuda italiana varada en Memphis mientras intenta trasladar a Roma el cadáver de su marido y a un vago lunático que asegura haber charlado con el fantasma de Elvis, un cuento que ha convertido en su modus vivendi. Jarmush crea otro de sus dramas minimalistas acerca de la incomunicación, la soledad y el fetichismo cotidiano donde consigue jugar y profundizar de manera brillante acerca de Elvis.

         En Llora nena (Cry Baby, 1990) John Waters, autor de una filmografía donde no existe la sutileza y mucho menos el buen gusto y con situaciones de una sexualidad que raya en lo enfermizo, narra la historia de Bebé Llorón (Johnny Deep) un rebelde rocanrolero a quien sólo le escurre una sola lágrima en el Baltimore de 1954. El cineasta intenta una curiosa y muy divertida cruza entre Rebelde sin causa con James Dean y Prisionero del rock´n roll protagonizada por Elvis. El excesivo final carcelario de esta cinta que incluye entre otras figuras a la ex estrella porno Traci Lords, recrea a través de sensacionales coreografías algunos de los números musicales como El rock de la cárcel.

             En Salvaje de corazón (Wild at Heart, 1990) de David Lynch, anómalo relato de perversidad, violencia sexual y crimen, centrado en una pareja de amantes malditos que huyen de Carolina del Norte hacia California por carretera. Nicolas Cage en una actuación que oscila entre el virtuosismo y la sobreactuación  encarna a Sailor Ripley, un irascible delincuente y un fanático y nostálgico rocanrolero, cuya chaqueta de piel de culebra es un sinónimo de su individualidad y que resulta una mezcla entre Dean y Elvis; de éste último, retoma su imagen falocrática a la vez que delira cantando algunos de sus éxitos.  La publicidad nacional decía en el cártel: «El quería ser Elvis Presley…ella  quería ser Madonna…».

                De nuevo Nicolas Cage aparece rindiendo culto a Elvis en Luna de miel en Las Vegas/ Un  juego indecente (Honeymoon  In Vegas, 1993) de Andrew Bergman. Encarna a un compulsivo jugador de póker con  complejo de Edipo, que se ve envuelto con un millonario estafador que le roba la novia por un fin de semana. En esta muy divertida parodia de Una proposición indecorosa, la figura de Elvis aparece como un mito indestructible que suscita reacciones más bien  simpáticas y cuyas canciones sirven como buen contrapunto a las situaciones repletas de humor, en la historia de un divertido triángulo amoroso, mientras se lleva a cabo en Las Vegas una convención de fanáticos de Elvis Presley que incluye a negros, orientales, niños, e incluso acróbatas aéreos. El mismo Cage, en su papel de Jack Singer se ve forzado a portar un traje a lo Presley  y lanzarse en paracaídas con los Flyings Elvis.

           Elvis aparece como una suerte de fantasma, encarnado nada menos que por Val Kilmer – Jim Morrison en The Doors de Oliver Stone- en La fuga (True Romance, 1993) de Tony Scott. Más que una visión de ultratumba representa la voz de la conciencia de Clarence Worley, el protagonista (Christian Slater), a quien inspira para cometer impulsivos actos de arrojo. El mismo Clarence habla entrañablemente de Presley en el prólogo del filme antes de la secuencia de créditos y asegura que se le haría el amor si él se lo pidiera…más amor y adoración no puede haber.

           Otras dramatizaciones son: Elvis y yo  (1988) de Larry Peerce. Se trata de una miniserie para televisión de más de tres horas de duración y tal vez el mayor intento por recoger vida y milagros del Rey, desde el punto de vista de la preciosa Priscilla Presley, su mujer, ya que el guión de esta saga del clan Elvis, se inspira en la autobiografía escrita por ella. Dale Midkiff encarna con cierta autenticidad al protagonista, al mismo tiempo que es doblado en la interpretación de las canciones por Ronnie McDowell, un astro de la música country.

        Más atractiva y entretenida es Bubba Ho-tep (Don Coscarelli, 2002), en ella, Elvis Presley vive y reside en una vieja residencia de ancianos al este de Texas. Años antes de su «muerte», Elvis cambió su identidad por uno de sus imitadores, pero perdió la oportunidad de dar marcha atrás en el trato. Elvis formará equipo con Jack, un compañero del asilo que dice ser el presidente John F. Kennedy, para luchar contra una maligna entidad egipcia que absorbe el alma de los indefensos ancianos del lugar. Al igual que la cinta argentina El último Elvis (Armando Bo, 2012): Carlos Gutiérrez, «Elvis», es un cantante divorciado que vive en un olvidado barrio de Buenos Aires y que tiene una pequeña hija llamada Lisa Marie, a la que no ve muy seguido. Siempre vivió su vida como si fuese la reencarnación de Elvis Presley, negándose a aceptar su realidad. A punto de cumplir los años que su ídolo tenía al morir, una situación inesperada lo obliga a hacerse cargo de su hija. En esos días, Carlos logra conocerse como padre y Lisa Marie aprende a aceptarlo tal cual es. Pero el destino le presenta una decisión difícil. En un viaje de locura y música, Carlos deberá elegir entre su sueño de ser Elvis o su familia…

         …Por último, vale la pena citar un par de notables documentales sobre la carrera del ídolo: Este si es Elvis (This is Elvis, 1981) de Malcolm Leo y Andrew Solt, con David Scott, Paul Boensh III y Johnny Harra. Un inquietante combinación de documental y ficción que arranca justo minutos antes de la muerte de Elvis, armado con dramatizaciones y material de archivo sobre el ídolo, dosificados con inteligencia, en un relato que intenta cuestionar no sólo las extrañas circunstancias de su muerte, o su ascenso al estrellato, sino el mito Presley en 144 minutos y con más de 30 canciones del Rey que se escuchan a lo largo del mismo.  Y Los archivos de Elvis (The Elvis Files, 1990) de Laurette Healey. A lo largo de 55 minutos, se analizan algunas de las teorías sobre la muerte de Presley, entre ellas, ligadas a su alto consumo de cocaína, en un documental que incluye algunas películas caseras, otros raros documentos en imágenes y entrevistas a agentes federales que estuvieron presente en el deceso de Elvis Presley.

 

RAFAEL AVIÑA

Centro Histórico de la ciudad de México

13 de agosto de 2022

 

 

 

 

 

Los documentales.

Elvis, éste es el camino (Elvis that´s the way it is, 70) de Dennis Sanders. El coronel Tom Parker insistió en realizar este documental centrado en la presentación de Elvis en el International Hotel de Las Vegas, lo que constituyó todo un éxito, al centrar su registro en Elvis como show man, acompañado de The Jordanaires.

Elvis, on Tour (72) de Pierre Adidge y Robert Abel.  ültima aparición fílmica en vivo por parte de la Pelvis, en un documento que incluye más pietaje de los conciertos realizados en ese año,  que escenas detrás de las cámaras.

 Elvis´56 (87) de Alan y Susan Raymond. Narrado por Levon Helm  del grupo The Band, el presente documental traza la evolución de Evis desde sus años de ingenuo rockero adolescente a estrella consumada del espectáculo. El año del título hace referencia a su lanzamiento estelar.

 Los archivos de Elvis (The Elvis Files, 90) de Laurette Healey. A lo largo de 55 minutos y en un tono  que oscila entre Misterios sin resolver y Hard Copy,  se analizan algunas de las teorías acerca de la muerte de Presley, entre ellas, ligadas a su alto consumo de cocaína, en un documental que incluye algunas películas caseras y otros raros documentos en imágenes. Escrito por Gail Brewer-Giorgio,  incluye entrevistas a agentes federalesque estuvieron presente en el deceso de Elvis.

Mondo Elvis. Sin crédito de director y año de producción. El  presente documental realizado en video, como su nombre lo anticipa, es una colección de imágnes aberrantes y delirantes en donde se da fe de los cientos de imitadores causa-lástimas del Rey, entrevistas con fanáticos que aseguran haber visto a Elvis, el culto a éste incluyendo toda una parafernalia comercial que va desde muñecos, carteles, graabaciones pirata y botones, hasta reliquias y otros objetos de culto hacia su imagen.

Este si es Elvis (This is Elvis, 81) de Malcolm Leo y Andrew Solt, con David Scott, Paul Boensh III y Johnny Harra. Inquietante combinación de documental y ficción que arranca justo minutos antes de la muerte de Elvis, armado con dramatizaciones, secuencias y material de archivo sobre el ídolo, dosificados con inteligencia, en un relato que intenta cuestionar no sólo las extrañas circunstancias de su muerte, o su ascenso al estrellato, sino el mito Presley en 144 minutos y con más de 30 canciones del Rey que se escuchan a lo largo del mismo.  Andrew Solt emprendería en solitario siete años más tarde la biografía de otro mito rockero, en Imagina, sobre la figura de John Lennon.

 

 

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ELVIS: A 19 AÑOS DE SU MUERTE

(EL CINE LE RINDE CULTO)

 

RAFAEL AVIÑA

 

 

La muerte de Elvis Presley ocurrida el 16 de agosto de 1977 se convirtió en uno de los acontecimientos que más especulaciones ha suscitado desde que se anunció su extraño fallecimiento debido supuestamente a una crisis cardiaca, según la versión oficial. Elvis, ya había alcanzado el Olimpo rocanrolero, no así el cinematográfico, sin embargo, el cine se encargaría muy pronto de trastocar su figura en un ícono fílmico por excelencia y cuyo fantasma aún recorre las pantallas.

    De su larga y mediocre filmografía que incluye 33 cintas que se inician en 1956 con La novia robada/ Love Me Tender y que concluye con Elvis On Tour: 93 minutos con La Pelvis, sólo pueden rescatarse Prisionero del rock´n roll/ Jailhouse Rock (57) y Melodía siniestra/ King Creole (58), cuyo estreno causó conmoción en nuestro país, En ambas, se respetó la imagen inconforme y rebelde de Elvis, algo que no sucedió con su obra fílmica em general, simple pretexto para la interpretación de sus canciones.

    Videos, documentales, decenas de dramatizaciones y otras cintas de ficción, han intentado dar fe de su existencia. Una atracción que el cine ha sentido tanto por su figura pública y privada como por sus canciones y que se inicia en 1963 -el Rey aún vivía-, cuando el controvertido cineasta independiente Kenneth Anger decidió utilizar uno de sus hits musicales para su inquietante Scorpio Rising. Del mismo modo, otros cineastas de culto como David Lynch o Dennis Hopper subrayaron momentos de gran delirio en sus filmes con temas de Elvis; recuérdese Salvaje de corazón y Rebelde sin destino, respectivamente.

      Es en el campo de las dramatizaciones donde el cine ha incidido de manera contundente para conformar un mito tan ambiguo como fascinante. Elvis y yo (88) de Larry Peerce, por ejemplo, es una miniserie para televisión de más de tres horas de duración y tal vez el mayor intento por recoger vida y milagros del Rey, desde el punto de vista de la preciosa Priscilla Presley, su mujer. Dale Midkiff encarna con cierta autenticidad a Elvis al mismo tiempo que es doblado en la interpretación de las canciones por Ronnie McDowell, un astro de la música country.

     Por su parte, Elvis y la reina de belleza (81) era una desvergonzada muestra de la explotación del mito Elvis en un tono de melcocha sensacionalista para narrar los amoríos de Presley con la reina de belleza Linda Thompson. El secuestro de Elvis (88) se inspira en la canción Heartbreak

 

Hotel, que marcó el primer hit de Presley en 1956 y hace referencia a la solitaria vida de una guapa cuarentona (Tuesday Weld), enamorada de Elvis en su época de oro y cuyo hijo adolescente decide secuestrarlo en una de sus giras a Cleveland a principios de los 70.

    Pero sin duda, Elvis, el rey ha vuelto (79) dirigida John Carpenter -la primera de las dramatizaciones sobre Elvis-, es la más lograda y la que más se acerca al mito del Rey. Hecha al vapor originalmente para la TV, Carpenter, consigue su primer gran ejercicio de creación de personajes en la figura de Presley; desde sus días preparatorianos hasta su decadencia en Las Vegas. El papel corre a cargo de Kurt Russell, una suerte de ídolo falocrático, violento e irónico como antecedente de su notable Snake Plissken de Escape de Nueva York (80).

    Tan diversos como disparejos han sido los documentales que enmarcan la imagen de Presley. De éstos, destacan Elvis, éste es el camino (70) de Dennis Sanders, centrado en la presentación de Elvis en el International Hotel de Las Vegas; todo un éxito, al centrar su registro en Elvis como Show Man, acompañado de The Jordanaires. Elvis, on Tour (72) de Pierre Adidge y Robert Abel, sobresale por ser la última aparición fílmica en vivo de Elvis.

    Elvis´56 (87) de Alan y Susan Raymond traza la evolución de Elvis, desde sus años de ingenuo rocanrolero adolescente a estrella consumada del espectáculo. El año del título hace referencia a su lanzamiento estelar. Por su parte, Los archivos de Elvis (90) de Laurette Healey mantiene un tono que oscila entre Misterios sin resolver y Hard Copy; en él se analizan algunas de las teorías acerca de la muerte de Presley. Se incluyen algunas películas caseras y otros raros documentos en imágenes y entrevistas a agentes federales presente en el deceso de Elvis.

    Este si es Elvis (81) de Malcolm Leo y Andrew Solt, con David Scott, Paul Boensh III y Johnny Harra, es una inquietante combinación de documental y ficción que arranca justo minutos antes de la muerte de Elvis. Armado con dramatizaciones, secuencias y material de archivo sobre el ídolo y dosificados con inteligencia, se trata de un relato que intenta cuestionar no sólo las extrañas circunstancias de su muerte, o su ascenso al estrellato, sino el mito Presley en 144 minutos y con más de 30 canciones del Rey que se escuchan a lo largo del mismo.    

      Convertido en un mito de la cultura pop como lo es James Dean, Marilyn Monroe, o Charles Manson, Elvis suele ser invocado con frecuencia en el cine en homenajes que van de lo intrascendente a lo profundo, conformando incluso una buena parte o todo el entramado de algunos filmes. El tren misterioso (88) de Jim Jarmush es sin duda el mayor y más inteligente homenaje hacia el mito Elvis, que inicia desde el título; el mismo de una de las canciones del Rey que se escucha en varias ocasiones.

    Conformada por tres historias que se entrelazan, se narra la llegada en tren de una pareja de turistas japoneses a la ciudad de Memphis, Tennessee, con la intención de visitar lugares de culto

 

 

como Graceland y el Sun Estudio. Ambos discuten constantemente por sus preferencias, él es fanático de Carl Perkins y ella de Elvis, hasta que llegan a un fantasmal hotel poblado de efigies de Presley en todas las habitaciones. Otro de los relatos une a una viuda italiana varada en Memphis que intenta trasladar a Roma el cadáver de su marido con un vago lunático que asegura haber charlado con el fantasma de Elvis.

    Jarmush crea otro de sus dramas minimalistas acerca de la incomunicación, la soledad y el fetichismo cotidiano y consigue profundizar de manera brillante en el mito Elvis. Por su parte, en Llora nena (90), John Waters narra la historia de Bebé Llorón (Johnny Deep) un rebelde rocanrolero a quien sólo le escurre una sola lágrima en el Baltimore de 1954. Aquí, el cineasta intenta una curiosa y muy divertida cruza entre Rebelde sin causa con James Dean y Prisionero del rock´n roll. El estridente final carcelario recrea a través de sensacionales coreografías algunos de los números musicales como El rock de la cárcel, montados por Presley en la citada Prisionero del rock´n roll.

    En Salvaje de corazón (90), anómalo relato de perversidad, violencia sexual y crimen David Lynch rinde un buen homenaje a Presley con la interpretación de Nicolas Cage. Encarna a Sailor Ripley, un irascible delincuente y nostálgico rocanrolero que resulta una mezcla entre Dean y Elvis; de éste último, retoma su imagen falocrática a la vez que delira cantando algunos de sus éxitos. La publicidad nacional del filme rezaba: «El quería ser Elvis Presley…ella  quería ser Madonna…» (¿?).

    En Luna de miel en Las Vegas/ Un  juego indecente (93) de Andrew Bergman, Nicolas Cage interpreta a un compulsivo jugador de póker envuelto con un millonario estafador quien le roba la novia por un fin de semana. En esta muy divertida parodia de Una propuesta indecorosa, la figura de Elvis aparece como un mito indestructible y cuyas canciones sirven como buen contrapunto a las situaciones repletas de humor. En Las Vegas se lleva a cabo una convención de fanáticos de Elvis Presley -negros, orientales, niños, e incluso acróbatas aéreos-, y Cage se ve forzado a portar un traje de Elvis y lanzarse en paracaídas con los «Flyings Elvis».

     Más inquietante aún, resulta La fuga (93) de Tony Scott.   Elvis aparece aquí como una suerte de fantasma interpretado por Val Kilmer. Más que una visión de ultratumba, representa la voz de la conciencia del protagonista Christian Slater, a quien inspira para cometer violentos actos de arrojo. El propio Slater habla entrañablemente de Presley en el prólogo del filme y asegura que se lo «cogería» si él se lo pidiera… Finalmente, la taquillera y oscareada Forrest Gump (94), rinde uno de los mejores homenajes al Rey del Rock. Este resulta ser el vecino de habitación del pequeño Forrest Gump, fascinado con sus sicalípticos movimientos de pelvis y su insólito estilo, mucho antes de su supuesto ascenso al estrellato musical.

ADIÓS SEÑOR HAFFMANN

(Adieu Monsieur Haffmann, Francia-Bélgica, 2021)

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Dirección. Fred Cavayé/ Guión. Fred Cavayé, Sarah Kaminsky, inspirados en la obra teatral homónima de Jean Philippe Daguerre/ Fotografía en color. Denis Rouden/ Música. Christophe Julien/ Edición. Mickael Dumontier, Stéphane Garnier/ Diseño de producción. Philippe Chiffre/ Dirección de arte. Cecile Arlet Colin/ Vestuario. Chloé Amirouche/ Producción. Vendome Production, Dai Dai Films, Pathe, Orange Studio, France 2 Cinema, Belga Productions, OCS, France Télévision, La Banque Postale Image 13, Cinéaxe 2, Cinémage 15, Indéfilms 9, La Banque Postale Image 14, Philippe Rousselet, Ardavan Safaee/ Con. Daniel Auteuil (Joseph Haffmann), Gilles Lellouche (Francois Mercier), Sarah Giraudeau (Blanche Mercier), Nikolai Kinski (Comandante Jünger), Mathilde Bizzon (Suzanne, la amiga de Jünger), Anne Coessens (Hannah, la mujer de Haffmann), Yoan Blanc (el carnicero), Claudette Walker (Señora Rosenberg), Pierre Reggiani (señor Rosenberg), Philippe Weisert (solado alemán balón 1), Jean-Cyril Dureux (soldado alemán balón 2)/ Duración. 115 mins.

 

SINOPSIS

En el París amenazado por la guerra hacia 1941, François Mercier es un hombre corriente con un defecto en la pierna que sólo desea formar una familia con la mujer que ama, Blanche. Y así mismo, Mercier es el modesto empleado de un talentoso joyero franco-judío: el señor Joseph Haffmann. Pero ante la ocupación alemana, los dos hombres no tienen más remedio que llegar a un acuerdo cuyas consecuencias, a lo largo de varios meses, cambiarán el destino de los tres personajes, demostrando que en la guerra, el amor, la orfebrería y los negocios, todo se vale…

Más que un drama histórico, se trata de una lección ética y moral que sabe darle la vuelta al manido tema de la segunda guerra mundial, el nazismo y el holocausto para relatar una trama diferente y original.

 

“Relato moral sobre el resentimiento, la ambición, el poder y la pérdida de la humanidad, es contado por Cavayé con gran habilidad, manteniendo la tensión de principio a fin y aprovechando al máximo a sus actores” -André Didyme-Dome: Rolling Stone-

 

Fue a fines del siglo XX e inicios de éste, cuando las pantallas mundiales recuperaron por enésima ocasión un tema aparentemente agotado: el horror del segundo conflicto bélico, el holocausto judío y la barbarie nazi. Tan sólo, en 1998, tres películas exitosas acapararon las principales nominaciones en los Oscares: La delgada línea roja, Rescatando al soldado Ryan y La vida es bella, que abordaban los horrores de la guerra, pero desde perspectivas muy opuestas. Terence Malick apostaba por la poesía y la reflexión interior, Steven Spielberg por el homenaje y la visceralidad y Roberto Benigni concebía una emotiva y polémica fábula a medio camino entre la farsa, el comentario social y el humor negro.

         Después, llegó El pianista (2002) de Roman Polanski, una obra tan vigorosa como impersonal en su estilo narrativo que impactó al público con la historia real del pianista Wladyslaw Szpilman superviviente del guetto de Varsovia durante la ocupación nazi, al igual que el documental Sobibor (14 de octubre de 1943, 16.00 horas) (2001) de Claude Lanzmann, que narraba el levantamiento de un grupo de judíos contra sus celadores en dicho campo de exterminio. Y Tom Cruise filmaba bajo las órdenes de Bryan Singer, Valkyrie (2008) en la que interpretaba al Coronel Claus Graf Schenk von Stauffenberg, oficial y aristócrata alemán ejecutado después de un fallido intento de asesinato contra Adolfo Hitler ocurrido el 20 de julio de 1944.

         Y antes, en otra perspectiva: la del thriller, el drama romántico, el suspenso y el horror, coincidían en el tema de la segunda guerra y la ocupación nazi otras tres películas muy opuestas entre sí: La lista negra (2006) de Paul Verhoeven, El buen alemán (2006), película independiente del estadunidense Steven Soderbergh y Hannibal Rising (2007) de Peter Webber, sobre la infancia y juventud del asesino en serie Hannibal Lecter, en un intento por recuperar la figura del refinado psiquiatra criminal durante su juventud durante los años del nazismo. Por supuesto, el tópico sigue generando más propuestas, algunas originales como Adiós señor Haffmann cuya trama claustrofóbica se ambienta en la calle Androuet en París y en la que se narra una suerte de pacto Fáustico entre dos hombres y en medio de ellos la mujer de uno que estaría dispuesta a tener al hijo del otro…

 

 

…“Frente a Gilles Lellouche, pensé en Daniel Auteuil, porque me encanta enfrentar a dos grandes talentos del cine entre sí… El encuentro de estos dos hombres, cada uno en la cima de su generación, me emocionó. Como Daniel es mayor, su relación en la jerarquía se desarrolló de forma natural. Respecto a Sarah Giraudeau, conocía su trabajo y rápidamente se convirtió en la elección principal. Desarrollé el personaje de Blanche porque es porque es a través de sus ojos por donde entramos en la narración. Con su fragilidad casi infantil, al principio la vemos como una mujer romántica, escuchando canciones de amor en el gramófono… Pero termina siendo el personaje más fuerte…” –Fred Cavayé, Lahiguera.net-…

 

 

       …¿Cómo puede una persona normal convertirse en un monstruo, no por ideología, sino por codicia o algo así? Francois Mercier, un hombre sin carisma, sin atractivo, estéril, que pasa inadvertido incluso pese a su cojera y el aparato en su pierna, se le abre una oportunidad con la que ni en sueños podría imaginar, trata de existir para su mujer Blanche, una joven dulce, retraída, melancólica y romántica (escucha todo el tiempo la canción Parlez-moi d’Amour de Jean Leonir, interpretada por Lucienne Boyer) y que lo único que desea es tener a un hijo de ambos. Y, sin quererlo, el patrón de Mercier, el maduro, talentoso y justo joyero judío Joseph Haffmann trastoca sin querer a Mercier en un monstruo. Y es que Haffmann le propone una transacción a la persona equivocada con la llegada de la ocupación nazi en Francia hacia 1941 en la figura de su empleado y es justo Blanche, la mujer de Mercier quien se percata de ese “error”, incluso le dice: “No debió de haberle vendido la tienda. Antes no teníamos nada, y ahora quiere todo». Y es que Haffmann elige sin saber a un desquiciado en potencia, un hombre frustrado que sueña con una oportunidad y reconocimiento y que con seguridad no se habría vuelto loco si no hubiera sido elegido para “convertirse” en el dueño de la joyería y de la casa de Haffmann. Todo ello, como una suerte de préstamo de honor mientras terminara la guerra y la invasión, al tiempo que Haffmann pudiera reunirse con su familia. Situación que no ocurre y es entonces que el dueño tiene que habitar el sótano al ser buscado por los alemanes y a su vez recibir la propuesta de embarazar a Blanche…

 

“Es curioso que menciones un pacto fáustico porque eso es precisamente lo que le dije a Gilles Lellouche durante la escena cuando regresa con las joyas robadas a los judíos. Esto es ¡directamente de la obra de Fausto para mí! Hay un elemento de chantaje pero sobre todo una dinámica terrible por la que Francois invierte los papeles para compensar lo que le falta. No sólo espera que Joseph Haffmann tenga un hijo con su mujer, sino que también le roba su talento, su identidad… Para existir, debe asegurarse de que Haffmann ya no existe… Sobre la rebelión de éste, creo que se ha rendido. Se ha doblegado, pero acaba por mantenerse en pie. El miedo cambia de bando. Es tanto un acto de sacrificio como un acto de valor. Y él lo sabe muy bien…Y en cuanto a la desilusión de la mujer es cuando se percata de que el hombre que ella amaba se ha desvanecido lentamente. Ella llega a pedirle a Haffmann que mienta: que diga que su marido era un héroe porque aceptó esconderlo. Lo hace menos por ella misma que por su hijo, para que pueda crecer con el recuerdo de un padre valiente…” –Fred Cavayé, con información de Lahiguera.net.-

El director Fred Cavayé responsable de filmes como: Cruzando el límite, Cuenta atrás, Los infieles, Mea culpa, Manual de un tacaño, consigue crear un ambiente de tensión y suspenso. Un thriller a momentos conmovedor sin necesidad de recurrir a imágenes violentas o a escenas de guerra o acción, sino centrada en el comportamiento humano; como aquella secuencia de los soldados alemanes que irrumpen en la ahora joyería de Mercier, buscando un balón de soccer que ha caído en el sótano y que debido a que Mercier no entiende alemán, está a punto de delatar a Haffmann. Lo mismo sucede cuando Mercier es detenido y confundido con Haffmann cuando él mismo ha puesto su fotografía en los documentos oficiales de éste. Y a su vez, en el manejo del sonido: el personaje de Haffmann, atrapado en el sótano, puede entender el mundo exterior sólo a través del sonido. Por lo tanto, escucha e interpreta el más mínimo ruido: gritos, música, timbres, voces…Más que un relato sobre la guerra o la segregación de raza, se trata de un drama moral sobre lo peor y/o lo mejor del individuo que consigue hacer partícipe al espectador, confrontarlo e incluso, observar a través de los ojos de los personajes…

 

…”Es una relación en la que la dinámica del poder cambia inmediatamente. Es lo que me gustó cuando leí el guion por primera vez. El trato que el Sr. Haffmann intenta hacer es salvaje. Pero eran tiempos salvajes. No había un comportamiento normal. Era la ley de la supervivencia. La guerra y el peligro crean un contexto en el que reaccionas como puedes a la violencia loca que te rodea. Cuando Haffmann sale del sótano actúa como un loco. No puede aguantar más. Porque hay un momento en que la gente que es perseguida necesita rebelarse. Incluso si pone su vida en peligro. En fin, así es como lo viví… o como lo interpreté en el personaje…” –Daniel Auteuil, La higuera.net-

 

RAFAEL AVIÑA

Centro Histórico de la Ciudad de México

26 de julio 2022

HOMBRE MUERTO

(Dead Man, Estados Unidos-Alemania-Japón, 1995)

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Dirección. Jim Jarmusch/ Guión. Jim Jarmusch/ Fotografía en blanco y negro. Robby Müller/ Música. Neil Young/ Edición. Jay Rabinowitz/ Diseño de producción. Bob Ziembicki/ Dirección de arte. Ted Berner/Vestuario. Marit Allen/ Producción. Karen Koch, Demetra J. MacBride/ Con. Johnny Deep (William Blake), Gary Farmer (Nadie), Crispin Glover (mecánico del tren), Lance Henriksen (Cole Wilson), Michael Wincott (Conway Twill), Eugene Byrd (Johnny Pickett), John Hurt (John Scholfield), Robert Mitchum (John Dickinson), Iggy Pop (Salvatore “Sally” Jenko), Gabriel Byrne (Charlie Dickinson)/ Duración.121 mins.

 

SINOPSIS

William Blake decide abandonar su puesto de contador en Cleveland, Ohio, luego de recibir una oferta de trabajo en Machine, una inhóspita ciudad industrial en el Oeste de los Estados Unidos. Sin embargo, cuando llega, resulta que su puesto lo ocupa otra persona. Charlie Dickinson, el hijo del propietario de la empresa, asesina a su mujer cuando la encuentra en la cama con Blake, quien a su vez liquida a Charlie. De este modo, un simple contable de Cleveland se convierte en un «fugitivo» perseguido por tres sicópatas cazadores de recompensas…

 

      …El viaje de William es una travesía del cielo hacia el infierno (como lo designa el mecánico del tren en la primera escena), de la civilización a la barbarie, de la razón hacia los instintos. Al traspasar el fin de la línea férrea, William está cruzando las fronteras del orden para llegar a los territorios donde no hay ley, sólo caos. Por lo tanto, tiene que transformarse. En su vida anterior, según el indígena Nadie, había sido poeta y pintor, ahora es contador, pero se tiene que convertir en asesino para sobrevivir. Tus poemas ahora serán escritos con sangre, dice Nadie en sus primeros diálogos. De esta manera, el protagonista tiene un viaje interior también, además de su viaje físico. Tiene que convertirse en un bárbaro que sabe matar sin pestañear. Para lograrlo, el protagonista tendrá que pasar por ciertas pruebas de supervivencia. En el momento en que Nadie lo deja a sobrevivir solo, William se transforma en hombre, asume su rol de hombre salvaje y mata a dos hombres de la ley. Ahora está escribiendo sus poemas con sangre como había dicho Nadie. Se convierte en un famoso asesino buscado por la ley, por el que ofrecen grandes sumas de dinero como recompensa. En una tienda, incluso le piden su autógrafo… -con información de Wikipedia-

 

Hombre muerto obtuvo el premio del Círculo de Críticos de Nueva York a Mejor fotografía. Premios Independent Spirit: 4 nominaciones incluyendo Mejor película. Asociación de Críticos de Chicago: 3 nominaciones, incluyendo Mejor película. Galardón a Mejor Director por los Premios del Cine Europeo. Premio de las artes a Gary Farmer (Nadie).

 

 

Estados Unidos, siglo XIX. A bordo de un tren que se dirige a la última frontera explorada por el hombre blanco, un joven contador llamado William Blake -al igual que el visionario poeta inglés- se enfrenta a los absurdos de una sociedad colonialista que en muy poco tiempo ha contaminado física y emocionalmente la pureza de las tierras usurpadas. Blake, un joven solitario que desconoce la barbarie del viejo oeste, descubre el sexo, la muerte y el horror de la persecución la misma noche de su llegada cuando asesina casi por azar al hijo del hombre más rico del pueblo de Machine quien horas antes le ha negado trabajo.

     Hombre muerto de Jim Jarmusch fue sin duda la mejor película estadunidense de 1995; un inquietante y alegórico western que mostraba desde una perspectiva minimalista y desparpajada típica del cineasta, una metáfora del genocidio indígena, del brutal ecocidio estadunidense, y la muerte de las leyendas románticas. De hecho, Jarmusch parte de un western clásico que no evita la tipología del género: los cazadores de recompensa, los indígenas, los predicadores, las prostitutas de saloon, las inmensas llanuras, el tren como mito de la civilización, así como sus pistoleros legendarios; no obstante, decide darle la vuelta al asunto para crear una inteligente reflexión que rechaza a toda costa la parodia.

       Blake, convertido en ese Hombre muerto a quien le han puesto precio a su cabeza, es salvado por Nadie, un indígena marginado por los suyos. Su amistad -puntualizada por los versos de Blake- llevará al protagonista a comprender la fragilidad de un mundo absurdo y devastado explorado por una desesperanzada pero impresionante fotografía en blanco y negro a cargo de Robby Müller, viejo conocido de Jarmusch y fotógrafo de Wim Wenders. De alguna manera, se trata de otros extraños en el paraíso, cuyo antihéroe se ha atrevido a abordar un tren del misterio para encontrarse de manera sorpresiva bajo la ley en una epopeya del legendario oeste, brutal, sucia e hilarante, a la vez…

 

 “El western pertenece a un género que se presta a las metáforas. Además, tiene unas raíces muy arraigadas en la narrativa clásica. A menudo son historias de un viaje hacia lo desconocido, siempre matizadas por temas muy tradicionales, como la retribución, la redención, o la tragedia…” –Jim Jarmusch-

 

     Hombre muerto es una obra emocionante, divertida y crítica apoyada en una magistral banda sonora a cargo de Neil Young y en un reparto fuera de serie donde luce principalmente su protagonista Johnny Deep un actor dispuesto siempre a tomar riesgos. Más allá de su indudable capacidad técnica, Jarmusch demuestra su amplio dominio narrativo y argumental, en una cinta que recupera además los mitos del género y los actualiza a través de un realismo brutal y un recorrido por una geografía más espiritual que física como lo intentara el realizador Michael Apted en la película Corazón de trueno (1992).

       Con este filme, el realizador alcanza una dimensión mayor que se dejaba ver en Extraños en el paraíso y sobre todo en El tren del misterio a través de un western tradicional en el que ironiza incluso sobre el cine gore y violento (el pistolero caníbal, la cabeza aplastada). Dead Man es la primera obra maestra de Jim Jarmusch, cineasta clave de ese cine que corre en paralelo a las complacencias de una industria feroz como lo era y lo sigue siendo Hollywood.

 

RAFAEL AVIÑA

Centro Histórico de la Ciudad de México

14 de julio 2022